S'il est un disque culte, sombre, et toujours aussi auréolé de mystère, c'est bien celui-ci. D'autant qu'il a été, jusqu'à sa réédition inespérée en 1996, l'objet de la convoitise obsessionnelle des collectionneurs de tout poil, le collector ultime et quasi introuvable. Gérard Manset est, on le sait, le gardien farouche, maniaque et avisé de son propre temple, et il n'avait pas jugé utile de prolonger l'existence de ce disque qu'il trouvait imparfait. Rendons grâce ici à sa maison de disques, EMI, qui a su le persuader de revenir, même tardivement, sur cette décision dommageable. La Mort d'Orion, qui fut salué par un véritable concert de louanges à sa sortie, est le second album de Gérard Manset, cinq ans avant le disque qui le révélera au grand public avec "Il voyage en solitaire", en 1975. Cette saga cosmique, nappée de cordes majestueuses, reste trois décennies après sa parution l'ovni le plus singulier du paysage musical français, une pierre dure, brillante et noire dans le bac à sable. Si vous aimez les chemins de traverse, celui qui mène à cette nébuleuse lointaine est pour vous. -Sylvie Devilette.

Voilà bien l'album le plus décalé et le plus controversé d'un Gainsbourg à l'inspiration, sur ce coup, franchement singulière. De "Nazi Rock" à "S. S. In Uruguay", en passant par "Tata Teutonne" ou "Yellow Star", les propos de ces chansons en rajoutnet sur une ambiguïté qui laisse pantois l'auditeur non averti des traditionnels écarts gainsbouriens. Boudé par la presse et le public à sa sortie, cet album, très à part dans la discographie de Gainsbourg, tient pourtant une place toute particulière auprès de ses aficionados les plus convaincus. Et une écoute attentive confirme rapidement les raisons de cet intérêt. Construit sur une formation traditionnelle piano, guitare, basse, batterie, l'ensemble, interprété par des musiciens londoniens, sonne assez rock, laissant de belles parts du gâteau à une guitare électrique inspirée. Ce qui transpire le plus de cet opus bizarre, c'est un humour grinçant, parodique et parfois irrésistible, qui confère à l'ensemble une certaine tenue. Rock Around The Bunker est, quatre ans après L'Histoire de Melody Nelson et juste avant L'Homme à la tête de chou, le second concept-album de Gainsbourg. Il fait partie de ces oeuvres vaguement maudites, oubliées pour de mauvaises raisons, mais qu'on redécouvre avec plaisir à chaque nouvelle plongée dans cet univers que seul un auteur tel que Gainsbourg est capable de mettre en scène sans sombrer dans le ridicule. [+]

Digne successeur d'Oxygène, Equinoxe confirme tout le talent et le savoir-faire de Jean-Michel Jarre qui, l'espace d'un album, a réussi à imposer au grand public la musique électronique instrumentale. Tout en reprenant la même formule - sonorités nouvelles, alternance harmonieuse d'ambiances et de thèmes accrocheurs - le Petit Prince du synthétiseur a peaufiné son art en proposant avec cet album une magnifique série de variations autour d'un thème central. Du coup, Equinoxe va également rencontrer un accueil populaire enthousiaste à travers le monde - notamment grâce au single "Equinoxe Part V" - qui permettra alors au musicien français de transposer sur scène son univers musical en inaugurant sa fameuse série de spectacles "son et lumière" géants installés dans des lieux prestigieux. -James Petit.

Les privilégiés qui ont eu l'occasion de pénétrer dans l'hôtel particulier de Gainsbourg, rue de Verneuil, connaissent cette étrange sculpture d'un homme à tête de chou trônant, énigmatique et fascinante, dans la petite cour. Elle illustre la pochette du disque et inspire le titre de cet album concept, que les aficionados du maître s'accordent à ranger dans le tiercé gagnant de son imposante discographie. Mis en boîte trois ans avant le sacre de "La Marseillaise" version reggae, L'Homme à tête de chou est, à l'instar des grands crus, un disque à consommer délicatement, à garder en bouche pour mieux apprécier son parfum profond. L'histoire édifiante de Marylou, "petite gueuse shampouineuse", nous est contée par un Gainsbourg qui maîtrise de mieux en mieux ce qui deviendra une de ses marques de fabrique, le talk-over ou l'art de surligner la rythmique avec les mots. Une peinture surréaliste et déjantée, aux camaïeux raffinés et tailladés par endroits de ces coups de rasoir vengeurs dont Gainsbourg savait user pour créer une mise en scène cinématographique et puissamment évocatrice. Nous entraînant avec lui jusqu'au bout de ce délire qui verra Marylou succomber sous la neige carbonique d'un extincteur, il signe un véritable chef-d'oeuvre qui, s'il ne rencontra pas à sa sortie le succès qu'il méritait, sut se venger de cette imposture en vieillissant mieux qu'un grand cru. -Sylvie Devilette.

C'est le 5e album live de Jean-Michel Jarre en moins de dix ans, soit depuis son premier concert place de la Concorde qui avait attiré un million de personnes au milieu des années 80. Ce CD retrace le concert qu'il donna à Hong-Kong en 1994 pour inaugurer un méga- stade de football. Les Chinois, un peu déroutés, avaient déjà découvert cet extra-terrestre de la musique en 1981 pour des concerts à Pékin et Shanghai qui donnèrent lieu à un album intitulé Les Concerts en Chine. Cette fois, ce sont leurs cousins libres qui se déplacent pour Jean-Michel Jarre et son matériel (une équipe de 65 personnes, 40 tonnes de matériel dont plus de 1000 projecteurs alimentés non pas en 220 mais en 380 volts !). Jean-Michel utilise plus de 26 claviers analogiques (aussi encombrants que des machines à laver le linge !) et numériques. Ce double album live, qui constitue un excellent best of, regroupe plus de 20 titres. Tous les albums sont largement représentés, preuve que Jean-Michel progresse, expérimente mais ne renie rien. -Alexandre. Dencausse.

Avec ce septième album studio, Alain Souchon embarque son univers sur les flots d'un rock nerveux, l'inscrivant du même coup comme une étape décisive de sa remarquable carrière. Sur les arrangements raffinés de Michel Coeuriot se coule alors cette écriture novatrice et élégante dont il a le secret. Celle qui, entre légèreté et dérision, sait si bien suggérer les blessures de l'âme, les souffrances de l'amour, le mal de vivre. Parmi les 10 titres se distingue aussitôt "La Ballade de Jim", aux allures de court-métrage, qui, servie par le superbe clip de Philippe Bensoussan, décroche le jackpot. La musique est signée de son complice en création, l'ami Voulzy, qui enrobe également l'humour irrésistible de "J'veux du cuir". Pour ce titre, Souchon a sollicité un des seuls auteurs auxquels il lui arrive de faire appel, David McNeil. Tandis que, de sa collaboration avec Louis Chedid, naît "Vous êtes lents", une des rares chansons engagées où Alain Souchon pose l'Europe, bien avant qu'elle ne se fasse, comme le seul avenir possible. Puis ce sont les hommes politiques qu'il fustige par le biais de "La vie est maritime", avant de nous offrir une de ses perles sentimentales, toute empreinte de sa sensible fragilité, le magnifique "Portbail". Résultat, un album confirmant que Souchon est un des artistes les plus originaux du paysage français. -Sylvie Devilette.

Toujours épaulé de Jean-Claude Vannier, esthète des arrangements, Serge Gainsbourg anticipe dès 1971 ses variations sur un même thème, celui de l'amour et ses désillusions. Le Paris de Saint-Germain-des-Près, que ce dandy désabusé empreint de culture jazzy traverse en peaufinant son esprit acerbe et caustique, n'est plus qu'un lointain souvenir. Désormais, Lucien Ginzburg défraie la chronique en écrivant un véritable concept album L'Histoire de Melody Nelson. En 7 compositions, dont deux de plus de 7 minutes, Gainsbourg raconte les aventures d'une garçonne aux cheveux rouges, "aimable petite conne" qui trouvera la mort à bord d'un boeing 707. Chef-d'oeuvre particulièrement prisé par les inconditionnels de Gainsbourg, L'Histoire de Melody Nelson récitée par celui qui n'est pas encore "L'homme à la tête de chou" navigue entre ballade, valse et rock basique. Un classique incontournable. -Sabrina Silamo.

Deuxième album d'Ange, Le Cimetière des arlequins est l'oeuvre par laquelle le rock progressif a enfin eu le droit de cité en France. Le mérite en revient certes aux frères Decamps qui sont les créateurs de cet univers musical fantasmagorique, mais également aux guitaristes Daniel Haas et Jean-Michel Brézovar particulièrement inspirés dans "La Route aux cyprès" (référence au célèbre tableau de Van Gogh) et "La Fête chez l'apprenti sorcier". Parmi les autres moments forts de cet album, outre la version de "Ces gens-là" de Jacques Brel, "Bivouac" est certainement la chanson qui définit le mieux la musique de la formation franc-comtoise. Une musique entre tradition et avant-garde. -Philippe Margotin.

Les Chemins de traverse est sans aucun doute l'album qui a permis à Francis Cabrel d'exploser en 1979 en pleine période disco. Boosté par son titre-phare, "Je l'aime à mourir", et son look de paysan du Sud-Ouest qui enroule les "R" autour de ses longues moustaches et de ses cheveux longs ondulés, l'album devient vite un opus culte. Les mots de l'auteur-compositeur- interprète sont simples, ils touchent. Les musiques acoustiques sont dépouillées, elles percutent. Yannick Top, Marc Chantereau, Pierre-Alain Dahan, Patrick Tison. sont ses musiciens de l'époque. Ils deviendront les pointures des années quatre-vingt et quatre-vingt-dix. Même si le disque ne compte que peu de tubes (mis à part les deux déjà cités), les chansons y sont superbes ("Monnaie Blues", "C'était l'hiver". [+]

C'est la chanson "Petite Marie" qui vaut à Francis Cabrel de remporter un concours organisé par Sud Radio, de rencontrer le producteur Richard Seff et d'enregistrer ce tout premier album qui, au gré de ses 11 titres, distille le charme et la sensibilité d'un jeune auteur-compositeur appelé à marquer la chanson française de son exceptionnel talent. De la toute première chanson qu'il ait écrite, "Ma ville", à "Petite Marie", dédiée à sa femme, et aux "Murs de poussière", qui figurent aujourd'hui parmi les classiques de son répertoire, on est touché par la finesse de sa poésie, par son romantisme à fleur d'écriture, par son jeu de guitare, par les nuances de son interprétation, par l'émotion qu'elle diffuse. Et déjà on s'attache à son originale personnalité et à cet accent ensoleillé que Cabrel n'a jamais cherché à travestir. Esquisse de son oeuvre à venir, ce premier album en contient les germes fertiles, même si le manque de subtilité des arrangements - alors imposés à Francis Cabrel - gâte un peu la sauce. -Sylvie Devilette.

Né aux Batignolles, ce fils de bijoutier très inspiré par Georges Brassens choisit rapidement de faire de la chanson son métier. Auteur-compositeur-interprète, il hante les cabarets pendant plusieurs années avant d'enregistrer son premier simple, Virages, en 1972. C'est cependant grâce à cet album qu'Yves Duteil rencontre véritablement le succès, en 1977. Enfin réédité en CD en 1999, il comprend pas moins de quatre des plus grands succès de l'artiste : "Le Petit Pont de bois", "Tarentelle", "Le Mur de la prison d'en face" et "Prendre un enfant" (qui sera élue en 1988 chanson du siècle par les auditeurs de RTL, Canal+ et la SACEM). Duteil, depuis des années maire de Précy-sur-Marne, en région parisienne, indispose la critique bien-pensante par ses prises de position politico-religieuses et par ses textes un peu simples. Peu importe, il a un public fidèle, et c'est là l'essentiel. -Thierry Cadet et J. -P. P.

C'est grâce à ce premier album que Renaud débarque sur la scène musicale française. Avec des chansons qu'il a déjà, pour la plupart, chantées dans la rue en faisant la manche. Et qui donnent d'emblée la mesure de ce nouvel interprète, tour à tour hargneux et tendre, nostalgique et libertaire. Ainsi, dans "Amoureux de Paname", il chante son amour pour la ville qui l'a vu naître, et ses quartiers populaires. Avant de dénoncer la société dans "Société tu m'auras pas", ou les travers des Français via un féroce pamphlet, "Hexagone". Tandis qu'il évoque le mur de Berlin dans "Greta", ou s'essaie avec brio à la chanson réaliste avec "Gueule d'aminche". Treize chansons au total, volontiers insolites dans le paysage d'alors, et qui laissent deviner tant le talent prometteur d'un auteur qui excelle déjà à jouer avec les mots, leur son et leur sens, que la personnalité originale et sensible d'un chanteur d'un style définitivement nouveau. Autant d'ingrédients qui sauront sans tarder faire entrer Renaud dans la cour des très grands artistes. -Sylvie Devilette.

Avec Par les fils de Mandrin paru en 1976, Ange revenait à la simplicité (et à l'efficacité) musicale des premiers albums. L'influence des Beatles y est ici évidente, tout particulièrement dans "Au café Colibri", ce qui rend la musique de la formation des frères Decamps à la fois légère et mélodique ("Autour du feu", "Atlantis"), encore que le riff de la chanson-titre soit résolument rock. Avec cet excellent final qu'est "L'Hymne à la vie", Par les fils de Mandrin ressemble d'ailleurs plus au Cimetière des arlequins qu'à Émile Jacotey, en même temps qu'il met en valeur les qualités guitaristiques de Jean-Michel Brézovar. -Philippe Margotin.