Avec ce remarquable premier album, les joyeux Australiens de The Avalanches viennent jeter le discrédit sur les barrières qui cloisonnent les styles en laissant copuler ensemble les mélodies de la pop, la rythmique du hip-hop et la gaieté scintillante de la disco moderne. Après avoir publié pléthore de maxis, parmi lesquels le très remarqué Frontier Psychiatrist, la formation, originaire de Melbourne, a été prise d'une frénésie du sampling et du collage tous azimuts, échantillonnant à tout va les sonorités les plus curieuses allant du hip-hop (dont on reconnaîtra quelques références), jusqu'à à la noisy-pop, et de Madonna jusqu'à la disco des années 80. Le résultat verse dans un bric-à-brac sonore sans nom, égratignant les styles avec un sourire vengeur, et naviguant sans accrocs entre les sons les plus divers. Et si The Avalanches est inclassable, il ravira les fans de mélanges iconoclastes et de sons étranges, au confluent de la pop, du hip-hop, du trip-hop et même du reste. Sur ce Since I Left You, les têtes pensantes Robbie Chater et Darren Seltman ont déniché, pour le plus grand bonheur de nos oreilles, des cris, des hurlements, des sifflements aigus, des hennissements dignes d'un Cypress Hill, des guitares flamenco, des cordes classiques et des rythmes de hip-hop d'une lourdeur à faire exploser les baffles de la planète, le tout ciselé de scratches soigneusement décalés. Joyeux délire instrumental augmenté de quelques samples de voix piochés çà et là dans un répertoire cinématographique, Since I Left You est sans doute un des collages les plus judicieux qui aient vu le jour jusqu'ici. Sans jamais tomber dans l'écueil facile de la juxtaposition des styles, les deux agités du sampler sont parvenus à créer de vraies harmonies, avec des sons venus pourtant d'univers totalement différents. Amateurs de hip-hop, de pop et de top, ce disque est pour vous. -Toma Blondeau.

Leur précédent et premier album, The Platform, plaçait la barre si haut qu'il est devenu un des classiques du hip-hop. Nul doute que Expansion Team connaisse le même sort ! La complicité est désormais totale entre Evidence, DJ Babu et Rakaa qui confrontent là leurs beats et leur flow à de singuliers invités parmi lesquels, entre autres, Alchemist et Joey Chavez. Ce sont toutefois les scratches meurtriers de DJ Premier qui enlèvent le morceau, suivis de près par les tempos du ragga des Beatminerz sur "Trade Money". Outre ces influences, Dilated Peoples va également piocher dans le funk comme en témoignent certaines basses slappées à la lourdeur quasi hypnotique ("Clockwork"). Respectueux, le trio de Los Angeles renvoie l'ascenseur aux aînés en invitant les pionniers du Likwit Crew (Tha Liks, Phil Da Agony, Dafari). Plus que d'une attitude, il s'agit d'un véritable passage de relais générationnel qui les positionne dans la généalogie du groove comme les héritiers plus que crédibles du son West Coast des 90's. -Philippe Robert.

Ce cinquième album d'EPMD marque le redémarrage de la discographie du mythique duo new-yorkais. Le quinquennat qui le sépare de son prédécesseur s'explique par une longue brouille (financière) entre Erick Sermon et Parrish Smith (alias PMD) qui les a conduit à poursuivre des carrières solos au succès mitigé (en particulier pour PMD). Malgré le scepticisme que l'annonce de cette réconciliation avait pu faire naître, Back In Business permet à la paire (accompagnée de DJ Scratch et ponctuellement de Keith Murray, Redman ou Das EFX) de retrouver de sa superbe au micro comme derrière les samplers et de donner vie à des titres ("Richter Scale", "Never Seen before", "Last Man Standing", etc. ) loin d'être indignes de leurs glorieux prédécesseurs. Un retour aux affaires réussi à tous points de vue. -Yann Cherruault.

Le troisième album de Public Enemy est aussi celui de la confirmation : il est strictement impossible de faire plus dansant et politique (à la fois) que ça. Toujours truffés de références au patrimoine culturel noir américain, les textes de Chuck D et les instrus de la Bomb Squad font mouche à chaque fois avec un impact rarement atteint dans l'histoire de "la musique de jeunes". De ''911 Is A Joke'' à ''Fight The Power'' en passant par un ''Burn Hollywood Burn'' réunissant Big Daddy Kane et Ice Cube, l'assaut surpuissant de P. E. ravage tout sur son passage (à commencer par les fachos). De l'esclavage aux abus de pouvoir et à l'intox' médiatique, pas un thème ne résiste au regard affûté du "terroriste lyrical" et à son analyse sans concession. 1989 fut l'année de Public Enemy et on comprend mieux pourquoi à l'écoute de ce cocktail à haute teneur en TNT. Au fait, si vous voulez savoir l'heure. [+]

En 1991, Public Enemy en est déjà à son quatrième album et les autoproclamés "prophètes de la rage" ont encore des points à mettre sur les i de "libération des Noirs". Concentrant toute la puissance de leurs attaques féroces et réfléchies sur les injustices subies par les descendants d'esclaves aux Etats-Unis, les lyrics du très informé Chuck D incendient la Maison-Blanche et les trois quarts des média et institutions en toute radicalité. Il faut dire que les sujets de révolte ne manquent pas. Produit par le collectif Imperial Grand Ministers Of Funk, chahuté par le fantasque Flavor Flav et scratché par Terminator X, Apocalypse 91 profite de la présence de quelques musiciens ainsi que des invités, Sister Souljah (rappeuse énervée) et Anthrax (métallos sataniques). -José Guerreiro.

Tâche ardue pour Richard Fearless et Tim Holmes, les surdoués de Death In Vegas, donner une suite à The Contino Sessions, leur deuxième album concocté en 1999 avec de prestigieux invités tels Iggy Pop ou Bobbie Gillespie. Inspiré par le sulfureux Kenneth Anger, réalisateur du cultissime "Scorpio Rising", la paire décide de jouer avec l'idée du bien et du mal et se place sous la protection de Dr. L Subramaniam, le légendaire violoniste indien. Pendant que l'ex-collaborateur de George Harrison et Ravi Shankar peaufine ses cordes, les deux larrons tournent les pages de leur agenda mondain. Dot Allison et Hope Sandoval, entre autres participantes, assurent les respirations féminines sur quelques ballades mystiques tandis que Liam Gallagher entame sa réhabilitation avec la fabuleuse chanson titre "Scorpio Rising" et que Paul Weller illumine un titre composé par Gene Clark (ex-Byrds), "So You Say You Lost Your Baby". Le projet, initié selon ses protagonistes sous influence de Fad Gadget et d'Alice Coltrane, aurait pu se vautrer dans un bidouillage incohérent entre rock, électro, pop et psychédélisme. Richard Fearless et Tim Holmes l'ont transformé en habile collage. Album techno-rock de l'année. -Sabrina Silamo.

"Rain is wet and sugar is sweet/Clap your hands and stomp your feet. " Entre le monumental Sign O' The Times et la B. O. du film Batman, le génie de Minneapolis sort ce nouveau manifeste funky venu d'ailleurs. Enregistré et mixé à la maison, dans son studio de Paisley Park, en 1988, Lovesexy loue le seigneur et célèbre la vie à travers une vitalité (artistique et sexuelle) jamais démentie. Signée Jean- Baptiste Mondino, la photo illustrant la pochette fit jaser quelques puritains désoeuvrés à cause d'une étamine ambiguë, et le CD fit également couler de l'encre par sa présentation inédite puisque sur un caprice de la star, les neuf chansons comprises ici sont assemblées en une unique plage de 45 minutes. Pas pratique, certes, mais, du brûlot à la ballade, "Alphabet Street", "Anna Stesia", "Dance On", "I Wish You Heaven" et les autres valent bien trois quarts d'heure de votre temps. -José Guerreiro.

Huit ans après son dernier album, Lovers Rock signe le retour inespéré de la chanteuse anglo-nigérienne. Dès la première écoute, ce disque éclabousse nos oreilles par sa classe intemporelle et la beauté triste de ses mélodies. Les programmations sont luxueuses, les basses profondes, la voix de la belle toujours à la limite de la supplication… Sans surprises, Sade impose de nouveau son désenchantement raffiné. « C'est de la musique d'ascenseur » sifflent les mauvaises langues. Qu'elles continuent à prendre l'escalier. -Amon.

Voilà un homme qui ne s'interdit rien. Un artiste en liberté totale, qui va, sur les 16 plages de son premier album, laisser libre court à son imagination (fertile) et à sa soif d'expériences (nombreuses). En commençant par apparaître blessé (ou mort) et couvert de sang sur les photos du CD, Rjd2, sorcier, DJ, producteur joue avec les sons comme avec son image. Il compose et assemble des pièces où le beat est maître, un beat entre funk ("Ghost writer") et hip-hop ("Take The Picture Off") qui sont les deux lignes de force de l'album. Rjd2 s'inscrit dans une veine qui réserve les meilleures surprises, celle qui a donné le jour à DJ Shadow et à Moby ; et affiche ses intentions dans la déclaration que constitue la plage "Salud". Nourri de soul et de ballades plus paisibles, le mixeur sait aussi créer des ambiances entre intimisme et exaltation ("Smoke & Mirrors"), mais c'est bien dans un hip-hop lyrique, percutant, qu'il s'exprime le mieux ("June"). Ses emprunts et ses boucles deviennent le corps d'une musique que ses talents de batteur – il faut lire les notes de pochette pour apprendre que son voisinage n'a pas toujours applaudi à ses prestations…– portent avec une rare jovialité. Précédé de quelques remixes, et maxis, cette entrée en piste est convaincante. -José Ruiz.