"The future of dance music" (NME), "Album of the year" (The Times), "Shakespeare for clubbers" (Mail on Sunday), "The sound of the future" (Jockey Slut)… Est-ce pour ne pas faire mentir l'intégralité des journaux anglais que la critique française à décidé d'être aussi unanime à son tour ? C'est une question qu'on est en droit de se poser lorsque l'on se penche sur le cas The Streets. Encensé, notamment après son passage aux Transmusicales de Rennes, Mike Skinner, l' unique protagoniste derrière The Streets, post-ado de vingt- deux ans, fut considéré comme LA révélation 2002. Non loin de l'univers d'un MJ Cole, Mike a composé des bandes-son originales et prenantes, aux couleurs tantôt cinématiques, tantôt funk, jazzy ou encore electro, sur lesquelles il pose son flow bon enfant, empreint d'un accent de banlieusard londonien particulièrement prononcé (l'équivalent du titi parigot), véritable marque de fabrique qui finit de conférer à ses morceaux une personnalité unique. Question rythmique, les beats dépassent très souvent les simples vibrations hip-hop préférant, à l'occasion, la 2-Step ou encore le broken-jazz. Rien d'étonnant lorsqu'on sait que Mike est aussi un fan de house et de garage. À l'heure où la culture "street" inonde l'Occident, à commencer par l'Angleterre, les textes, souvent ludiques et jamais prise de tête, ne s'enferment pas dans un mono sujet revendicatif et hargneux, mais racontent le quotidien de n'importe quel gamin anglais préférant célébrer le groove et l'optimisme malgré tout, à l'image du titre qui clôt l'album (un des plus poignants du disque) : "Stay Positive". -Luc Demont.

Amon Tobin, né à Rio de Janeiro mais Londonien d'adoption, s'est essayé au saxo, au piano et à divers instruments traditionnels avant de se consacrer à sa passion solitaire et extravagante, tordre, modifier et transformer les sources à la recherche du SON. Écartelé entre les films de David Lynch ("Lost Hihgway", "Twin Peaks") et de Spike Jonze ("Being John Malkovich"), entre les harmonies d'Ennio Morricone ("Le Bon, la Brute et le Truand") et les hymnes du patrimoine brésilien, Amon Tobin s'est bâti un univers unique entre drum'n'bass, musique de film et electronica. À côté de la samba chère au carnaval, Tobin, alias Santos De Aleujo, puise dans le jazz de quoi nourrir ses collages sonores. Producteur inspiré du label anglais Ninja Tune, il repousse les limites du travail de studio, en utilisant avec une pertinence rare la technique du sample. Et, deux ans après ses débuts en 1995 sous le nom de Cujo, il plonge, avec Bricolage, son héritage latino – et notamment le tropical "Chomp Samba" –, dans un déluge de percussions cuivrées et de breakbeats libérateurs. Savant manipulateur d'ambiances, Amon Tobin circule en marge des secteurs balisés du circuit analogique pour mieux produire une musique à images envoûtantes. -Sabrina Silamo.

Avec ce remarquable premier album, les joyeux Australiens de The Avalanches viennent jeter le discrédit sur les barrières qui cloisonnent les styles en laissant copuler ensemble les mélodies de la pop, la rythmique du hip-hop et la gaieté scintillante de la disco moderne. Après avoir publié pléthore de maxis, parmi lesquels le très remarqué Frontier Psychiatrist, la formation, originaire de Melbourne, a été prise d'une frénésie du sampling et du collage tous azimuts, échantillonnant à tout va les sonorités les plus curieuses allant du hip-hop (dont on reconnaîtra quelques références), jusqu'à à la noisy-pop, et de Madonna jusqu'à la disco des années 80. Le résultat verse dans un bric-à-brac sonore sans nom, égratignant les styles avec un sourire vengeur, et naviguant sans accrocs entre les sons les plus divers. Et si The Avalanches est inclassable, il ravira les fans de mélanges iconoclastes et de sons étranges, au confluent de la pop, du hip-hop, du trip-hop et même du reste. Sur ce Since I Left You, les têtes pensantes Robbie Chater et Darren Seltman ont déniché, pour le plus grand bonheur de nos oreilles, des cris, des hurlements, des sifflements aigus, des hennissements dignes d'un Cypress Hill, des guitares flamenco, des cordes classiques et des rythmes de hip-hop d'une lourdeur à faire exploser les baffles de la planète, le tout ciselé de scratches soigneusement décalés. Joyeux délire instrumental augmenté de quelques samples de voix piochés çà et là dans un répertoire cinématographique, Since I Left You est sans doute un des collages les plus judicieux qui aient vu le jour jusqu'ici. Sans jamais tomber dans l'écueil facile de la juxtaposition des styles, les deux agités du sampler sont parvenus à créer de vraies harmonies, avec des sons venus pourtant d'univers totalement différents. Amateurs de hip-hop, de pop et de top, ce disque est pour vous. -Toma Blondeau.

Le duo phare de la techno démocratique prendrait presque un risque à sortir un quatrième album tel que ce Come With US. Quand les médias les plus audacieux hésitent entre acclamer le retour du rock et l'avènement du R&B comme soul nouvelle manière, les belles âmes seraient légitimées à poser la question de l'intérêt de telle sortie. Les avant-gardistes les plus débridés avaient décidé que pour sa survie, la techno, dont la vulgarité dancefloor n'avait jamais été totalement assumée par nombre d'enfants du rock, adopterait le format songwrité. Et les Chemical Brothers, qui avaient abandonné le tout-big-beat depuis Dig Your Own Hole en 1997, avec qui le BPM s'était radouci avec l'enpopisé Surrender en 1999, étaient les candidats rêvés pour montrer l'exemple et suivre la voie santiaguée de neuf du bon vieux rock. Come With Us a le son brut. Il y a deux morceaux vocaux (Beth Orton et Richard "Did I Pass The Acid Test" Ashcroft), et les huit autres considèrent narquoisement l'idée mode d'un passif techno. À l'image de ses créateurs Tom Rowlands et Ed Simons, ce disque au goût âpre de rave sans fin se moque d'être inscrit dans une continuité formelle encombrante. Basé sur des rythmiques sèches, voire dures, vouées à l'efficacité lors des développements en maxi-45T, Come With Us est surtout représentatif d'un talent pour les tournures malsaines. Montées en vrille, breaks stridents et contre-pieds fréquents attestent des pratiques festives sans retenue. La rave-music telle qu'en son intemporelle présence au cœur de séquences répétitives, encore et encore, libérée des débats sur la pérennité du 4/4, à l'image du single "It Began In Afrika", sans autre but que le plaisir d'un morceau rustique aux stridences hard-trance. [+]

Depuis 1997 et la sortie de leur premier album, le couple Andy Jenks et Corin Dingley tisse une toile fine, faite d'esthétisme brumeux. Ce troisième album en poursuit l'étendue, avec une identique légèreté, et cette élégance triste qui porte leurs chansons. De tempo suggestif en ballade flottante, Stargazing s'installe en bruine diffuse, chaque chanson posant un voile de plus sur l'évanescence de leur projet musical ("Saturn In The Rain", "Elvis"). Les voix masculine et féminine se croisent dans la trame aérienne des claviers ("Sleepdust", "I Just Wanna Make Toi"), tandis que des chœurs faussement angéliques montent dans l'espace pur ("Vers Toi"). On pense bien sûr à Portishead ("Double View", "Blue Autumn"). "Stargazing" combine à merveille le disque d'atmosphère où les mélodies dégagent toute leur force hypnotique. -José Ruiz.

Le projet Loop in Release, auquel collaborent de prestigieux invités comme le saxophoniste Julien Loureau ou le flûtiste Magic Malik, séduira l'amateur de jazz érudit autant que le novice par sa subtilité. En effet, le terme est juste : subtil dosage d'ingrédients funk, soul, rap, bossa et même hindouisant, subtile alternance de thèmes et d'impros, subtile incorporation d'électronique dans des proportions plus que modérées. L'ensemble paraît même d'une telle délicatesse qu'on se demande presque si le nom de l'auteur n'est pas ironique. Et puis survient la "mutation", en 2 parties, qui, au 8e morceau, fait s'emballer la rythmique à toute allure et partir les instruments dans une session free endiablée. Bref, ça groove sévère. Et puis le single "You Are The One" avec la voix si caractéristique du "Master Fonk de la scène parisienne" Juan Rozoff est vraiment irrésistible (-ment funky. ). Belle acquisition pour Blue Note que ce jeune compositeur de talent, à suivre de près. [+]

Quatrième album du kid de Bristol en comptant l'expérience Nearly God, Angels With Dirty Faces voit la personnalité admirablement intransigeante et les pulsions créatives de son géniteur s'exprimer de la manière la plus crue possible. Pre-Millenium Tension faisait déjà froid dans le dos, ici la fuite en avant est portée à un rythme éprouvant pour qui voudrait suivre. L'égocentrisme et sa cohorte de sentiments contrariants (paranoïa, claustrophobie, dégoût généralisé. ) s'insèrent dans les interstices de cette musique fiévreuse et lancinante. Tricky décompose plus qu'il ne compose ce nouveau disque : laissant de côté l'esthétisme embarrassant du trip-hop, il accouche, en compagnie de musiciens traditionnels, d'une sorte de funk apocalyptique et déstructuré, chauffé à blanc. Ce repli sur soi et sa mise en musique au sein de textures très sombres, peut être perçu de manière très ambiguë par l'auditeur : d'un côté le génie brut de l'artiste y apparaît parfois dans toute sa décadente splendeur ("Money Greedy", "Singing The Blues" ou "Broken Homes" avec PJ Harvey), de l'autre sa franchise confère parfois à la complaisance avec des titres certes directs mais aussi plus faibles. Normal pour un disque qui résonne à la fois comme une prière, un cri primal et une prophétie désespérée. -Fabrice Privé.