Les fans acharnés de John McLaughlin ont pu être ravis ou parfois déroutés par sa carrière. À la fin des années 70, après ses expériences avec Shakti, Corea et même quelques artistes classiques, il se retourne vers la guitare et forme avec deux autres guitaristes, Paco De Lucia et Al Di Meola, un trio. Rencontre des sensibilités ethniques, jazz et fusion, The Guitar Trio est un habile montage sonore qui permet à de vrais professionnels de se mesurer dans des "combats" de haute tenue ! -Eric Frank.

Après When I Look In Your Eyes, superbement arrangé par Johnny Mandel et disque de platine, Diana Krall a pris tout son temps pour préparer son album suivant, un recueil de ballades et de bossas-novas admirablement produit et enregistré. Outre la présence d'une formidable rythmique avec Christian McBride à la basse, Peter Erskine à la batterie et le fidèle Russell Malone à la guitare, la chanteuse, elle-même au piano, s'offre le London Symphony Orchestra confié au grand Claus Ogerman. Ce dernier, jadis le maître d'œuvre de quelques-uns des meilleurs albums d'Antonio Carlos Jobim, a une manière toute personnelle d'utiliser les flûtes de l'orchestre, de les organiser en section pour répondre aux violons. Grand spécialiste de la musique brésilienne, il sait donner de chaudes couleurs à ses partitions et de la légèreté à ses masses orchestrales. Bénéficiant d'un tel soutien, la belle voix de Diana Krall ne peut que convaincre dans ses reprises de "S'Wonderful", "Cry Me A River", "Dancing In The Dark" ou "The Look Of Love", d'inoubliables mélodies qu'elle ajoute à son déjà vaste répertoire. Un succès assuré. -Pierre de Chocqueuse.

En 1971, dans l'excellent Facing You, Keith Jarrett pose les bases d'une vision du piano solo qui deviendra sa marque de fabrique. Quatre ans plus tard, en public, il porte son style à un niveau de flamboyance qui lui assurera une renommée planétaire débordant largement le cercle des amateurs de jazz. Réminiscences romantiques et impressionnistes, harmonies classiques mâtinées d'influences gospelisantes, feeling "gros comme ça" exprimé par des grognements et un martèlement du pied aux moments les plus inspirés, place importante accordée à des mélodies séduisantes, sens de la construction enfin, qui transforme ces improvisations solitaires en montées quasi orgastiques par paliers de tension et de détente : tous les ingrédients sont réunis pour séduire un vaste auditoire conquis par tant de talent et d'apparente sincérité. Un jazz qui allie virtuosité, chaleur et plaisir du musicien comme du public. Incontournable. -Thierry Quénum.

Dans les ballades, la sonorité feutrée et sans vibrato de Miles Davis n'avait pas sa pareille si ce n'est celle de Chet Baker. Ce disque est fait pour celui qui n'aurait pas le temps de se pencher sur l'intégralité de la discographie de son auteur pour en extraire les pépites. L'enchaînement des compositions, bien qu'elles soient détachées de leurs contextes d'origine, tient la route et retrace l'essentiel, si ce n'était le curieux oubli de "Round Midnight". Mis à part ce léger bémol, collaborations avec l'arrangeur Gil Evans, quintettes avec George Coleman ou Hank Mobley, ou encore sextette avec John Coltrane, Cannonball Adderley et Bill Evans figurent à ce menu dont le dessert pourrait bien être cette fabuleuse version de "Someday My Prince Will Come" où Maître Trane remplace au pied levé Hank Mobley. -Hervé Comte.

En peu de temps, Diana Krall a conquis un statut mérité de diva du jazz vocal. Ses pairs, de Jimmie Rowles à Ray Brown, ont reconnu en elle une chanteuse au swing convaincant, dont le timbre voilé et la diction parfaite touchent d'emblée. Alors qu'elle vient d'épouser Elvis Costello sort cet opus en SACD. Un disque flamboyant, produit par le vétéran Tommy LiPuma, où l'on remarquera entre autres les jazzmen Christian McBride et Peter Erskine. Du livret interprété, Costello a justement coécrit huit morceaux. Par ailleurs, Diana Krall reprend "I'm Pulling Through" autrefois immortalisé par Billie Holiday, et le génial "Temptation" de Joni Mitchell dont la version est à la hauteur de l'original. Les fans seront encore aux anges. -Hervé Comte.

Ce quartette fut le premier à populariser les spirituals jusque dans les bars, célébrant ainsi les noces du sacré et du profane. Entre 1941 et 1947, la formation est au sommet de sa carrière – ils furent les premiers Noirs à chanter au Constitution Hall de Washington. Mélangeant standards et classiques qu'on entendait auparavant surtout dans les églises, ils rencontrent le succès dans le monde entier grâce à des chansons comme "Jezebel" et "Joshua Fit The Battle Of Jericho" où leurs prouesses vocales font des miracles. -Hervé Comte.

Blueest l'album de la maturité, certainement l'un des sommets de la carrière de Joni Mitchell avec Hejira. Autant ce dernier, réalisé à quelque six ans d'écart, sera fouillé, autant celui-ci est recueilli et dépouillé. L'accompagnement (une guitare, un piano) est réduit au strict minimum même si quelques amis dont Stephen Stills et James Taylor, son amant du moment, sont venus prêter main forte ; plus tard, la dame s'entourera des grands noms du jazz, étoffant ses arrangements de façon considérable, tournant sensible à partir de Court And Spark réalisé en 1974. Pour l'heure, chaque thème est chanté sur le ton de la confidence, mêlant dans un même élan préoccupations intimes et sociales d'un point de vue féminin qui marquera jusqu'aux plus engagées des riot grrrls dont Kim Gordon de Sonic Youth. Les retombées se feront d'ailleurs ressentir jusque chez le pianiste de jazz Keith Jarrett qui reconnaît en Blue un album marquant. -Philippe Robert.

Une collaboration phonographique entre le bassiste Charlie Haden et le guitariste Pat Metheny exclusivement était inévitable. Leur première rencontre date de 1973, quand Pat Metheny vint assister à un concert du quartette d'Ornette Coleman dans lequel jouait Haden. Par la suite, ils jouèrent à de nombreuses reprises aux côtés l'un de l'autre, dans des contextes fort divers, que ce soit avec Ornette, Michael Brecker, Abbey Lincoln ou sur 80/81 réalisé par la firme allemande ECM pour laquelle ils travaillaient tous deux. Toutefois, c'est sur Beyond The Missoury Sky qu'ils creusèrent le plus profondément les préoccupations communes qui les animent : l'un y joue des lignes de basse fermes, aux notes éparses et graves, auxquelles l'autre répond avec une élégance teintée de nostalgie, sur des thèmes de leur composition et des classiques signés par Ennio Morricone ou Henry Mancini. Originellement sorti en 1997, ce disque réapparaît à l'occasion de la tournée européenne de 2003, agrémenté d'un DVD comprenant deux titres en public enregistrés le 27 juin 1997 au Festival de jazz international de Montréal ainsi qu'une interview d'une dizaine de minutes. Charlie Haden avait sous-titré American Dreams : "Dédié à tous ceux qui rêvent d'une société capable de compassion et d'intelligence créative". Il aurait pu en dire de même de Beyond The Missoury Sky. -Hervé Comte.

Sans le piano de Bill Evans, Kind Of Blue allait perdre une bonne partie de sa magie. Miles Davis le pressent. Il envisage de bâtir entièrement son album sur des modes et rappelle donc son ex-pianiste, plus au fait des arcanes de cette musique que Wynton Kelly, son successeur. Enregistré en mars et avril 1959, Kind Of Blue est l'un des plus grands disques de jazz de tous les temps. La culture classique tient une place importante dans le piano d'Evans qui apporte "Blue In Green" que Miles remanie, s'en attribuant la paternité. Le trompettiste prétendit avoir cherché à retrouver le son des blues et des gospels qui marquèrent certains épisodes de son enfance, mais aussi la sonorité fluide de la sanza, un instrument africain dans "So What" et "All Blues". Il lui fallait les grands musiciens que sont Bill Evans, John Coltrane et Cannonball Adderley pour traduire ces sensations concernant son vécu, s'éloigner du hard-bop et ses inévitables contraintes harmoniques et entrevoir un jazz plus souple et plus bleu. -Pierre de Chocqueuse.