Heaven, Earth And Beyond mélange les succès de la chanteuse suédoise aux inédits. Les admirateurs de son timbre quasi enfantin de Lolita seront aux anges : calme et volupté sont au menu du tracklisting, au travers de standards revisités en compagnie du trio du pianiste Peter Nordhal (Ronnie Gardiner est à la basse, et Patrick Boman, à la batterie). On a beaucoup comparé son style à celui de quelques divas du jazz dont. Billie Holiday !!! Plus sérieusement, on évoquera Blossom Dearie, comme on conseillera à ses fans de jeter une oreille aux disques de ses consœurs Diana Krall, Patricia Barber et Norah Jones, tous aussi agréables. Cet album compile des morceaux de When Did You Leave Heaven ("Cry Me A River", "My Heart Belongs To Daddy", etc. ), Back To Earth (une belle version de "Nature Boy") et Sings Salvadore Poe ("Rivers Of Love" par exemple). Trois vrais inédits complètent le tout, ainsi qu'une version de "I Can't Get Started" non disponible jusque-là sur les pressages européens et "It's Oh So Quiet", dont on connaît par ailleurs la version qu'en offrit Björk. -Hervé Comte.

Les bonnes chanteuses ne sont pas légion. Toujours inconnue en France, Stacey Kent est l'une d'entre elles. Sa voix fait penser à celle de Blossom Dearie, une voix espiègle qui minaude et malice, une voix qui touche et émeut. Sa grande sensibilité, Kent la dévoile plus encore dans Dreamsville, son précédent album, un tendre recueil de ballades. On en trouve quelques-unes dans ce In Love Again, consacré aux musiques de Richard Rodgers et aux textes de Lorenz Hart et Oscar Hammerstein II. Une poignante mélancolie s'en dégage. Ce nouveau disque est toutefois plus ludique. Portées par des tempos plus vifs, ces légères et pétillantes mélodies de Broadway trouvent une interprète idéale. La fantaisie croise ici l'émotion. On ne change pas une équipe qui gagne. [+]

Lee Konitz et Warne Marsh furent longtemps des complices. Le pianiste Lennie Tristano leur donna à tous deux des leçons, de même qu'à Billy Bauer et Sal Mosca, présents dans cet album. Lee prit ses distances, s'éloigna de son maître, incapable de cacher son propre côté lestérien, cette tendresse que révélait la moindre de ses phrases. En 1955, Lee retrouva Warne Marsh en studio à New York. Au-delà de leurs différences, les deux hommes partagent en commun le grain léger de leur sonorité aérienne. Au ténor, Marsh cultive la rigueur, s'attache aux tempos réguliers, structure ses phrases et les fait respirer. Plus insouciant, l'alto de Konitz renouvelle paisiblement les mélodies, la simplicité toute contemplative de son jeu tendant vers l'émotion. S'appuyant sur la basse d'Oscar Pettiford et la batterie de Kenny Clarke, tandem alliant fermeté et souplesse, Marsh et Konitz soufflent les yeux mi-clos de longues et élégantes lignes mélodiques, des petits ronds de nuage, comme emportés dans le tourbillon de leurs rêves. -Pierre de Chocqueuse.

L'un des quelques grands disques que Louis Armstrong réalise dans les années 50, alors que, les lèvres abîmées, il se repose beaucoup sur les musiciens de son All-Stars, et sur un répertoire qui, toujours le même, ne parvient plus réellement à surprendre. Cet album, une bonne idée du producteur George Avakian, lui permet toutefois de se renouveler, de retrouver l'éclat de sa splendeur passée. Ce n'est pas la première fois qu'il reprend des oeuvres de William Christopher Handy, cornettiste, chanteur et auteur des célèbres "Aunt Hagar's Blues" et "Saint Louis Blues". Ecrit en 1914, ce dernier titre est bien sûr depuis longtemps au programme de ses concerts de même que "Ole Miss" qu'il interprète toujours. Mais enregistrer un recueil entièrement consacré à W. C. Handy est pour Louis une nouveauté. Ces compositions qu'il affectionne, des blues pour la plupart, lui dictent d'excitants chorus, de savoureuses parties vocales, les membres de son orchestre - Barney Bigard, Trummy Young, Billy Kyle - se montrant particulièrement inspirés. -Pierre de Chocqueuse.

En 1975, un jeune prodige de la guitare, un extra-terrestre de la basse à peine plus âgé et un batteur de quelques années leur aîné enregistrent un disque qui traumatisera puis influencera quasiment tous ceux qui ont un jour touché un manche muni de quatre ou six cordes électrifiées. Pat Metheny et Jaco Pastorius débarquent en puissance, en virtuosité et en inventivité dans la jazzosphère planétaire ! Une musique qui garde, un quart de siècle plus tard sa fraîcheur et son pouvoir de séduction tant était grande, à l'époque, son avance sur ce qui se faisait avec ces deux instruments et dans ce type de trio. On connaît le destin tragique du météore Pastorius. Bob Moses, de son côté a largement diversifié ses activités. Quant à Metheny, outre son mythique Group, ses multiples projets et ses innombrables apparitions en sideman, il revient périodiquement à l'expérience inaugurale du trio mais, comme s'il n'avait jamais voulu remplacer Jaco, avec contrebasse. -Thierry Quénum.

Ce disque est l'un des chefs-d'oeuvre de Ray Charles en même temps que son premier album à être classé dans les charts, devenant accessoirement l'une des plus grandes réussites commerciales et artistiques du rhythm'n'blues américain. Dans la lignée de ses titres des années 50, Ray Charles se montre ici un interprète exceptionnel, avec une voix sans égale, reprenant des morceaux comme "Alexander's Ragtime Band" ou "Come Rain Or Come Shine" qui bénéficient d'arrangements somptueux de Quincy Jones. Aux confins du blues, du jazz et de la pop instrumentale, ce disque séduit un public blanc, ce qui en fait donc un disque de transition historique entre le rhythm'n'blues noir et la soul/pop des années 60, qui est ici définie dans toute sa splendeur. Cet album est aussi le dernier de la fructueuse collaboration avec Atlantic, un des plus grands labels indépendants de l'histoire de la musique enregistrée, Ray Charles signant peu de temps après avec ABC-Paramount. Indispensable, ce disque marque la fin d'une époque et l'annonce d'une période nouvelle, dont Ray Charles ressortira également auréolé. -Florent Mazzoleni.

Bobby McFerrin mélange allègrement les genres, chante au-delà des mots et des modes une musique sans paroles dans laquelle les onomatopées se prennent à danser. Il n'en fait qu'à sa tête. Ses quatre octaves lui autorisent d'inconcevables vocalises, de déconcertantes prouesses techniques. Le re-recording lui permet de chanter a capella avec sa propre voix, de constituer des chorales aux délicieux murmures. Le monde onirique qu'il invente est issu de multiples sources. L'Afrique en est la principale bien que les musiques et les traditions de la planète entière l'intéressent. Il se disperse et c'est tant mieux si ses visions le portent à faire le tour du monde. Ce disque est son douzième. Bien que largement dévolu à la world music, le jazz n'y est pas oublié avec "Invocation", Fertile Field" et "Ziggurat", des pièces que le piano de Chick Corea, la basse de Richard Bona et la batterie de Omar Hakim rendent particulièrement attrayantes. -Pierre de Chocqueuse.

Enfin, le concert du théâtre des Champs-Élysées de 1964, originellement édité sous forme d'un triple LP, ressort en CD dans son intégralité et avec des inédits. La formation qui l'accompagnait alors (dont le trompettiste Johnny Coles, souffrant, est malheureusement absent) est une des meilleures qu'il ait eues. Clifford Jordan et Eric Dolphy dialoguent avec une verve qui évoque les envols des plus grands boppeurs, notamment sur "Parkenaria", clin d'œil à Charlie Parker. Au piano, Jaki Byard se révèle étonnamment contemporain, citant Fats Waller et annonçant Cecil Taylor dans un même élan. Quant à Dannie Richmond, à la batterie, sa jubilation à jouer en a fait le complice idéal et fidèle du bassiste, compositeur et chef d'orchestre sa carrière durant. Tous les éléments de l'univers mingusien sont là, de la rage incantatoire aux foisonnements les plus cocasses, comme condensés sur "Fables Of Faubus". -Philippe Robert.

Simplement accompagné d'une guitare et d'une basse, le trompettiste Chet Baker aligne, tantôt à la trompette tantôt au chant, des ballades romantiques, très intimistes, dans la lignée de ses habitudes d'interprétation du style cool. L'argumentation instrumentale est rendue à sa plus simple expression, pour mieux faire ressortir le climat très solitaire dans lequel, sans doute, se complaît le jazzman, crooner à ses heures. Le discours de la trompette souligne avec volupté et complète avec douceur les interprétations très chantées de Chet Baker sur cet enregistrement dédié à la romance. -Jean-Michel Schlosser.

Enregistré en 1976, cet album fait suite à Native Dancer, première collaboration qui réunit le saxophoniste de Weather Report, Wayne Shorter, le pianiste Herbie Hancock et Milton Nascimento. Fidèle à ses aspirations et aux influences de ses débuts, l'art du chanteur se situe au carrefour de bien des genres qui vont du jazz au rock, et dont la formule, magique lorsque sort Milton, s'est déjà largement propagée hors des frontières du seul Brésil sous le nom de musique populaire brésilienne qui inspirera une décennie plus tard les premières fusions de la world music. Le public de ce disque, alors beaucoup plus important que celui de la seule musique traditionnelle, découvre un artiste dont le charisme n'a rien à envier à celui des pop stars d'alors et qui est engagé dans la lutte contre la dictature militaire de son pays qu'il dénonce sur "Saidas e bandeiras (Exit And Flags)" et "Nothing Will Be As It Was (Nada sera como antes)". Produit à Los Angeles en compagnie de quelques pointures sud américaines dont le bassiste Novelli et le percussionniste Airto Moreira découvert chez Miles Davis, l'ensemble est riche d'arrangements complexes et ambitieux voire fascinants comme dans l'émouvante intro de "Francisco". Avec Courage et Minas, c'est un des disques les plus réussis de cet Africain de Rio au falsetto envoûtant. -Hervé Comte.