Bien sûr, après qu'elle se fut tenue plusieurs années loin des studios, certains auraient sans doute attendu de Rachelle Ferrell un enregistrement plus jazz, moins marqué par le funk et la soul. Mais écoutez un peu. Timbre chaleureux, magnifique d'originalité, capable des plus belles inflexions de gorge comme des aigus les plus expressifs, phrasé qui, surtout quand il aborde les staccatos, affiche clairement ce qu'il doit au jazz, climats oniriques et fortement émotionnels sur souple pulsation binaire : par-delà les styles, la belle Rachelle est ici avant tout elle-même. Individuality, clame le titre ! Et à la question subsidiaire (Can I Be Me?) on ne peut que répondre "Vas-y, Baby, sois toi-même ! ". Être une chanteuse de (ou venant du) jazz, aujourd'hui, implique ouverture d'oreilles et d'esprit. Rachelle Ferrell est sans doute l'une des vocalistes qui parvient le mieux à en convaincre la partie la plus intégriste du public et de la critique. Elle l'illustre à merveille, au même titre que ses trois consoeurs Dianne Reeves, Cassandra Wilson et Patricia Barber. Et, sur ce nouvel enregistrement, elle se trouve en plus qu'excellente compagnie. -Thierry Quénum.

Simplement accompagné d'une guitare et d'une basse, le trompettiste Chet Baker aligne, tantôt à la trompette tantôt au chant, des ballades romantiques, très intimistes, dans la lignée de ses habitudes d'interprétation du style cool. L'argumentation instrumentale est rendue à sa plus simple expression, pour mieux faire ressortir le climat très solitaire dans lequel, sans doute, se complaît le jazzman, crooner à ses heures. Le discours de la trompette souligne avec volupté et complète avec douceur les interprétations très chantées de Chet Baker sur cet enregistrement dédié à la romance. -Jean-Michel Schlosser.

Ce disque date d'avant le succès de "This Masquerade" qui installa George Benson comme rival potentiel de Stevie Wonder, après qu'il eut quelque peu délaissé sa guitare au profit du chant. Creed Taylor, patron du label CTI, et Benson ont déjà travaillé ensemble, pour l'écurie A&M notamment (The Other Side Of Abbey Road, relecture de morceaux des Beatles), juste après que ce dernier eut enregistré avec Miles Davis sur Miles In The Sky en 1968. Son entrée dans le giron de CTI, le guitariste la fait en 1970, commençant comme sideman aux côtés de Stanley Turrentine (sur Sugar) et Freddie Hubbard (sur le génial Straight Life). Beyond The Blue Horizon, son premier album sous son nom pour CTI démontre l'étendue de ses qualités harmoniques héritées de Wes Montgomery, particulièrement sur "So What" de Miles. C'est toutefois "The Gentle Rain", thème du film du même nom signé par le guitariste brésilien Luiz Bonfa, et, surtout, "Somewhere In The East" et sa lente progression sur tapis de percussions qui enlèvent le morceau. Trois bonus complètent cette réédition en CD, dont une prise plus longue de quatre minutes de "Somewhere In The East". -Philippe Robert.

Kenny Barron, on le sait, est un accompagnateur accompli, recherché par les plus grands, du mainstream au hard bop, à l'instar de ses aînés Hank Jones et Tommy Flanagan auxquels on le compare fréquemment, et dont il semble prolonger la tradition de polyvalence haut de gamme. En leader, cependant, il a du mal à affirmer une identité qui le fasse reconnaître comme un créateur à part entière. Cet enregistrement de 1996 le présente en excellente forme, interprétant un programme varié de standards, de blues et de compositions personnelles. Éclectisme, beau toucher phrasé fluide que le "live" permet de développer à loisir : rien à redire à cette prestation, sinon qu'on ne voit pas obligatoirement l'intérêt de publier aujourd'hui les bandes d'un concert comme Barron en a depuis donné tant d'autres, d'une qualité aussi constante, avec un égal professionnalisme de maître artisan du swing racé et élégant, et une même difficulté (alors qu'alentour la jeune garde des trios de jazz fait flèche de tout bois) à donner plus qu'un plaisir qu'on aurait, cependant, tort de bouder ou, surtout, de minimiser. -Thierry Quénum.

Pour se consoler d'un chagrin d'amour, Charles Mingus descendit dans le Sud, à Tijuana, truculente ville frontière mexicaine où tequila, femmes, chansons et danses s'offraient librement aux touristes. De ce séjour, Mingus en rapporta un disque, Tijuana Moods qui, enregistré en 1957, ne fut édité que six ans plus tard. Disposant de trois solides souffleurs, d'un pianiste et d'une section rythmique, le contrebassiste orchestre ses visions, traduit l'ambiance de l'incessante trépidation de la vie nocturne de la cité. "Ysabel's Table Dance", "Tijuana Gift Shop" et "Los Mariachis" évoquent tour à tour ses boîtes de strip-tease enfumées, ses pittoresques boutiques de souvenirs, ses musiciens ambulants proposant leurs services aux passants. Cette fresque sensuelle et colorée dans laquelle castagnettes et tambourins renforcent ses cadences exotiques, RCA France nous en propose la version définitive, bien complète de ses cinq secondes prises, l'album s'enrichissant d'une oeuvre inédite, "A Colloquial Dream", au climat typiquement new-yorkais. -Pierre de Chocqueuse.

N'ayons pas peur des mots: Shirley Horn est l'une des dernières divas du jazz vocal, et ce disque le prouve dans toute la splendeur et l'inquiétude de son chant, qui se promène constamment sur la corde raide. Concernant sa pratique, on pense à une rencontre improbable entre Helen Merrill et Betty Carter, avec ce mélange de générosité et de profondeur (écoutez les magnifiques versions de "Georgia On My Mind" ou "Green"). Ce recueil, consacré au répertoire de Ray Charles, est une perle essentielle de sa discographie. -Eric Frank.

En 1972, date du présent enregistrement, Archie Shepp a largué les amarres qui ancraient encore essentiellement son discours dans le jazz (et le blues, le gospel, etc. ), aussi free fusse-t-il, pour, à l'instar de Miles Davis, confronter son art avec l'électricité alors en vogue. Mû par un engagement sans faille et d'ailleurs antérieur à sa participation à la création de la Jazz Composers Guild qui regroupa les trublions de l'avant-garde dans les années 60, Shepp, ici plus encore qu'autre part, fait le grand écart entre les formes anciennes et nouvelles, comme l'attestent un sens des arrangements hérité de Duke Ellington et des préoccupations intellectuelles marquées par l'africanisme et le rhythm'n'blues – voire le funk. Accompagné par des musiciens venus d'horizons divers, Shepp parcourt le large spectre des musiques afro-américaines. Ambitieux, Attica Blues est un cri du cœur adressé aux enfants des ghettos. La mise en musique de ce qui, depuis, est devenu standard ("Attica Blues" a été largement samplé et repris par certains des pionniers de l'acid jazz ; "Steam" sera souvent joué par Shepp) est singulière, qui rassemble un grand orchestre d'anches et de cuivres, de cordes, un groupe électrique. Un ensemble fait d'anciens (Dave Burrell, Clifford Thorton, etc. ) et de nouveaux venus, prompt à faire bouillir la marmite infernale. Sur le même label (Impulse!), d'autres grands du free jazz s'essayèrent à l'électricité, dont Albert Ayler, sur The Last Album, en compagnie du guitariste Henry Vestine du groupe Canned Heat. Quant à Shepp, pour la même firme, il réalisa quelques autres albums dans le même esprit, dont le superbe Things Have Got To Change. [+]

Il eût été dommage que ces deux-là ne se rencontrent pas. D'un côté le feeling, l'improvisation et l'histoire chargée des rencontres qu'évoque Stéphane Grappelli, de l'autre, la précision qui n'oublie pas la spontanéité, l'immense étendue de la connaissance harmonique que détient à lui seul Michel Petrucciani. Et à eux deux l'expressivité, la continuation d'un dialogue toujours renouvelé, le respect mutuel, l'entente parfaite jusqu'au moindre coma. On imagine sans peine, à l'écoute de ce joyau, ce qu'a du être le bonheur pour les deux artistes de graver ensemble des souvenirs comme "Sweet Georgia Brown", "I Got Rhythm" ou "I Remember April" et bien d'autres. D'autant plus que le plaisir est multiplié par la volubilité du bassiste George Mraz et du batteur Roy Haynes, qui les accompagnent dans ce bonheur cadencé à la marque du swing et de l'expression du toucher. C'est la nouvelle scène new-yorkaise et le Hot Club de France réunis, c'est l'assurance d'un jazz chaleureux, partagé, endiablé. On ne sait s'ils s'attendent ou se font la surprise de se dépasser mutuellement, mais quelle réunion et quel échange dans ce disque ! Son absence dans une discothèque constitue indéniablement un péché de jazz. -Jean-Michel Schlosser.

Retour au "Village Vanguard", ce club new-yorkais mythique qui a tant fait pour la renommée du pianiste Brad Mehldau. On retrouve ses partenaires Jorge Rossy et Larry Grenadier pour un nouveau tour de force devant un public conquis. Quelques moments importants : l'attaque pleine de promesses de "All The Things You Are", le tour de force de "Nice Pass" (17 minutes !), la belle reprise du "Solar" de Miles Davis et une coda émouvante sur "Exit Music". Des albums comme celui-ci, on aimerait en découvrir des dizaines chaque année ! -Eric Frank.

L'album de la consécration pour Dianne Reeves, qui commençait à trouver un vrai public en France. The Great Encounter invite le grand chanteur Joe Williams, Toots Thielemans ou Kenny Barron, délaisse l'urgence pour se prélasser dans "After Hours" et réinvente le standard "Besame Mucho" avec une certaine audace. Bref, tout ce beau monde se fait plaisir, et le chant de Dianne Reeves en sort encore plus affirmé que jamais. On peut ici parler de maturité éclatante. - -Eric Frank.

Ce qui frappe d'abord à l'écoute de Cecil Taylor, c'est sa prodigieuse énergie, la relation très physique qu'il établit avec son piano. Le phrasé de Taylor est presque toujours percussif. Il cogne, martèle ses touches avec brutalité et urgence, pressé de transmettre son message. Comme Thelonious Monk et Herbie Nichols avant lui, Cecil Taylor est un des très rares pianistes à posséder un langage personnel, un univers musical à décliner. Enregistré en 1959, Love For Sale reflète bien l'acuité de sa vision qui, aussi étrange qu'elle paraisse, repose bien sur des règles. Tout ici est soigneusement organisé. La section rythmique assure un tempo régulier, les chorus des souffleurs gardant une structure toute classique, car ancrée dans le bop. Ce qui étonne, c'est bien sûr la manière dont Cecil Taylor improvise. Les thèmes ou ce qu'il en reste ne sont plus que les points d'appui d'un flux de notes, de clusters sans tonalités précises, une matière sonore très dense sans cesse en mouvement et toujours fascinante. -Pierre de Chocqueuse.