Avec Diana Krall et Patricia Barber, Stacey Kent est une des grandes chanteuses de jazz qu'auront su imposer les années 90. Son art, elle l'a rodé dans les clubs, interprétant les standards du "Great American Songbook", sur les traces de ses idoles Sinatra et Nat King Cole. Sensuel, naturel et généreux, son timbre charme d'emblée, comme sa diction extrêmement claire. La critique l'a régulièrement portée aux nues, la comparant souvent aux plus grandes, Billie Holiday et Ella Fitzgerald notamment, mais il serait plus sérieux d'évoquer toutefois les noms de Mildred Bailey et Anita O'Day, grandes chanteuses méconnues. Pour ceux qui voudraient se faire une idée de son talent, SK Collection est idéal, puisqu'il compile douze titres extraits de ses trois premiers albums en solo (Close Your Eyes, The Tender Trap, Let Yourself Ago) et de l'album qu'elle a enregistré avec le fidèle Jim Tomlinson (Only Trust Your Heart). Un émouvant inédit achèvera de décider ceux qui connaîtraient déjà tout ou partie de son œuvre. -Hervé Comte.

Que les puristes passent leur chemin, le pianiste leader de la formation New Conception Of Jazz n'a que faire de leurs doléances. Ce Norvégien cherche un son nouveau qui pourrait bien être celui du troisième millénaire, osant des métissages à l'alchimie parfaite. Bien qu'ayant un pied dans le jazz (sa culture de base), un autre dans l'électronique pointue (qu'il a découverte au travers des DJ qu'il a commencé à fréquenter), Bugge Wesseltoft n'aime pas que l'on parle de jazz électronique à son propos, pas plus que de nu jazz. Pourquoi? Parce qu'en la matière, son groupe ne travaille pas sur le sampling, comme nombre de ses confrères, même si ses rythmes sont souvent programmés, mais bel et bien sur la composition et l'improvisation à partir d'instruments. Techno jazz ne colle pas non plus, vu que les préoccupations du maître d'œuvre n'ont pas grand-chose à voir avec cette musique bien qu'il s'intéresse au travail de Carl Craig et pense, qu'en 2000, la période véritablement créative du jazz est révolue. Peu importe les étiquettes: il faut écouter cette musique sans préjugés d'aucune sorte. Ce disque travaille sur les ambiances (on pensera quand même au Miles des années 70), qu'elles soient groovy ou plus abstraitement planantes, donc ambient. Dans un cas comme dans l'autre, les morceaux de cet album rendent compte de la culture d'un homme originaire d'un pays singulier. On retrouvait d'ailleurs cette ambiance dans certaines productions ECM des années 70, sur quelques morceaux de Odyssey du guitariste Terje Rypdal notamment. -Philippe Robert.

Mingus Dynasty subit le même sort que Mingus Ah Um, son indispensable complément, à savoir qu'à la demande de Columbia, Teo Macero joua des ciseaux, raccourcissant les chorus des musiciens au regard de la durée excessive de certaines plages. Enregistré en novembre 1959, le disque présente deux formations dans lesquelles officient John Handy à l'alto, Booker Ervin au ténor et Jimmy Knepper au trombone, la section rythmique qui réunit Roland Hanna au piano, Mingus à la contrebasse et Dannie Richmond à la batterie restant stable lors des deux séances. Dans la seconde, Mingus choisit pourtant d'élargir la masse orchestrale, de transformer son sextette en tentette. Le saxophone baryton de Jerome Richardson, le vibraphone de Teddy Charles, la présence d'un second ténor confié à Benny Golson enrichissent sensiblement la musique, apportent d'autres couleurs à ses complexes partitions. Les arrangements de "Diane" et de "Far Wells, Mill Valley" sont ainsi d'étonnantes réussites. La présente réédition, enrichie d'une plage inédite, est ici bien complète, retrouvant les passages autrefois supprimés. -Pierre de Chocqueuse.

De ses débuts avec le Hot Five et le Hot Seven jusqu'à la fin de sa carrière où le trompettiste s'essayait de plus en plus à la chanson, sur de jolis standards ("What A Wonderful World"), Louis Armstrong a généré l'une des carrières les plus imposantes du jazz. Cette compilation au titre en forme de clin d'oeil ("Satchmo", soit Satchelmouth, était le surnom du trompettiste) retrace parfaitement le parcours de cette force de la nature, à la fois artiste brillant et humaniste généreux. -Eric Frank.

La volubilité atteint son paroxysme avec la main droite du pianiste McCoy Tyner, la sûreté avec la main gauche. C'est l'histoire presque sans fin des chorus jamais répétés, entamés à longueur de clavier. Enregistré en 1962 avec le bassiste Art Davis et le déjà légendaire Elvin Jones à la batterie, ponctuation sèche métronomique et balais magiques, ce trio de McCoy Tyner descend au profond du bebop, assure en son cercle fermé la pérennité d'un style en l'ouvrant encore à la recherche harmonique : les constantes relances sur "There Is No Greater Love" en sont un exemple fameux. Il y a de l'Art Tatum et du Bud Powell chez McCoy Tyner, et il en apporte la preuve sur ses découpes des "Speak Low" de Kurt Weill. Ses propres compositions parsèment le reste de l'enregistrement en faisant la part belle à ses deux compagnons, tant en solistes improvisés et inspirés qu'en accompagnateurs solides et débordants de rythmicité. L'affleurement des sujets par les touches confine chez McCoy Tyner à une rugosité tendre, tant l'expression de la souplesse et de la rapidité d'exécution sont chez lui synonymes de feeling. - Jean-Michel Schlosser.

Résurgence brillante et réjouissante de la comédie musicale pure souche, tendance Bob Fosse (Cabaret) et John Kander (New York, New York), Chicago renaît à la lumière de ses actrices rayonnantes (Renée Zellweger et Catherine Zeta-Jones) dont la beauté et la spontanéité, alliées à un don réel pour le chant, font merveille. Musicalement parlant, le succès fantasmatique de John Kander et Fred Ebb représente ce qui se fait de mieux en termes d'éclat et de lascivité, d'insouciance et de sensualité. L'adaptation électrisante de Rob Marshall permet de replonger au cœur de ces tableaux jouissifs qui regorgent de rythmes nonchalants et de mélodies tendancieuses, renouant idéalement avec la moiteur brumeuse du cabaret, la perversité du Chicago irrévérencieux et cynique des années 20. Le fameux "Cell Block Tango" repousse très loin les limites de la convenance, pour notre plus grand plaisir, et trouve un écho soul/funk/hip-hop avec la reprise de Queen Latifah, Lil'Kim et Macy Gray. Loin d'être un faire valoir, la musique originale de Danny Elfman, sexy, entraînante et sarcastique à souhait, se fond dans la partition initiale. Anastacia et son "Love is Crime" ferment la marche. -Jean-Christophe Arlon.

Une heure magique, c'est ce que propose Wynton Marsalis pour son retour au jazz en 2004. Après un projet ambitieux écrit pour un big band, un orchestre symphonique et un choeur de gospel, le trompettiste revient à une formule plus intimiste et propice au swing : le quartette. Accompagné par des musiciens qu'il connaît depuis l'enfance (Eric Lewis au piano, Carlos Henriquez à la contrebasse, Ali Jackson à la batterie), il a enregistré The Magic Hour en deux jours de studio, à New York. Cet opus, après vingt ans passés au sein de la major Columbia, marque son entrée dans l'écurie du cultissime label Blue Note. Composé de titres originaux, ce disque multiplie les ambiances, qu'elles soient dansantes ou plus mélancoliques. Deux prestigieux invités donnent la réplique à Marsalis : Dianne Reeves, dont la voix sur "Feeling Of Jazz" ravira les amateurs de la diva, et Bobby McFerrin, qui a d'ailleurs coécrit le joyeux "Baby, I Love You" – on se rappellera avec émotion "B And Blues W", leur première collaboration. Fidèle à l'éthique qu'il s'est imposée depuis ses débuts, Marsalis œuvre là en perfectionniste, variant les plaisirs en faisant le grand écart du swing à la ballade en passant par des rythmes afro-hispaniques plus soutenus. -Hervé Comte.

À l'origine deux albums distincts, The Three & The Two réunit quelques pièces qui comptent parmi les plus intrigantes de la West Coast. Composées par Shorty Rogers, Jimmy Giuffre, Russ Freeman et Shelly Manne, seuls participants de ces séances, elles relèvent du domaine de l'expérimentation. Dans The Three, le langage du jazz est élargi à l'écriture dodécaphonique ("Three on a Row"), à l'improvisation pure, sans mélodies ou accords préétablis ("Abstract N°1"). Tout ici est inhabituel et en premier lieu la batterie employée comme un instrument mélodique au même titre que la trompette de Rogers, la clarinette, le ténor ou le baryton de Giuffre, le piano de Freeman. Pour y parvenir, Shelly Manne n'hésite pas dans un même morceau à alterner balais, mailloches et baguettes, à utiliser ses doigts afin de varier les sonorités de ses tambours. En charge d'une troisième voix mélodique, Manne offre un contrepoint aux autres instruments. Dans The Two ses propres chorus répondent à ceux du pianiste. Leur entente est parfaite. -Pierre de Chocqueuse.

On n'arrête pas un talent en marche. Toujours flanqué de ses New Conceptions Of Jazz, le groupe qu'il a fondé en 1995, Bugge Wesseltoft poursuit sur ce quatrième opus l'ascension notoire entamée avec Sharing. Si l'inspiration de Billy Cobham, du label ECM et des sons post-modernes du jazz nordique planent toujours en substance sur ce Film Ing, l'Afrique en fanfare ("Hi Is"), le piano minimaliste façon Satie ("Skog", "Piano") et la deep-house chaloupée ("Oh Ye") reviennent aussi en force au sein du combo norvégien. Le groove n'y est pas forcément rythmé par un beat électronique, mais toujours mélodique, surprenant, sculptant son relief vallonné dans un paysage où rien ne permet de deviner à l'avance quelles courbes se glisseront derrière la prochaine note. Non seulement Bugge Wesseltoft n'a pas perdu le Nord, mais en plus il enrichit sa musique des couleurs du Sud, dans un pur alliage de discours instrumentaux et de rythmes électroniques. De quoi mettre d'accord les fans de Miles Davis et ceux des Masters At Work. -Stéphanie Lopez.

A Soul Experiment, comme son titre le laisse deviner, marque un tournant dans la carrière du trompettiste Freddie Hubbard remarqué dans les années 60 aux côtés d'Ornette Coleman (sur le cultissime Free Jazz) et d'Art Blakey, pour une musique plus "traditionnellement" hard bop. Paradoxalement, cet album s'inscrit entre Ascencion de John Coltrane auquel il a participé et Red Clay, à sortir sur le label CTI. Comme nombre de ses confrères, Freddie Hubbard est alors également sensible à d'autres musiques que le jazz. Miles Davis écoute Sly & The Family Stone et Jimi Hendrix. Freddie Hubbard quant à lui, goûte James Brown, King Curtis et Aretha Franklin. Bien que l'empreinte du rhythm'n'blues soit particulièrement profonde, elle n'entame pas la vélocité ni la singularité du trompettiste, pas plus qu'elle ne le fait succomber aux tentations du binaire. Le fond de cette musique demeure le jazz, le groove en étant simplement plus appuyé grâce à une instrumentation électrique (Eric Gale et Billy Butler aux guitares, Gerry Jemmott à la basse Fender, Gary Illingworth à l'orgue). À redécouvrir. -Philippe Robert.