Cela fait quelque temps déjà que Miles a amorcé son come-back. En fait au début des années 80, en rompant quelques années de silence avec The Man With The Horn, un disque aux effluves funk et soul qui a exaspéré les gardiens du temple. Après Star People et Decoy, Miles enfonce le clou encore un peu plus avec un album conceptuel construit sur les problèmes que les Noirs américains rencontrent avec la police. Culotté, le prince des ténèbres reprend "Time After Time" de Cyndi Lauper et "Human Nature" de Michael Jackson ! En public, ces thèmes deviendront des hymnes survoltés !-Philippe Robert.

Enregistré en 1979, avec Marc Johnson à la basse et Joe La Barbera à la batterie, cet album du pianiste Bill Evans nous plonge dès les premières notes dans son univers intimiste et feutré. L'utilisation de son exceptionnelle connaissance de l'harmonie donne à Bill Evans cette faculté d'étendre la gamme de ses improvisations sur des chemins inconnus jusqu'alors, et de réinventer le langage pianistique au point de faire du clavier une multitude orchestrale de tonalités et de sons. L'histoire que raconte Bill Evans est un savant mélange de simplicité et d'extensions chromatiques inusitées. La difficulté des thèmes est ennoblie par la facilité avec laquelle on se surprend à pouvoir les fredonner, et c'est là la grande leçon de swing que nous donne le pianiste. Chaque note est inattendue et tombe pourtant à chaque fois dans la justesse d'un discours qui se veut compliqué et sobre à la fois. Ce Paris Concert, c'est le jazz pur de Bill Evans, dans la lignée des géants du piano jazz, avec l'apport des pianistes classiques français du début du XXe siècle. Surprenantes et graciles, jamais faciles ni gratuites, les interventions de Bill Evans sur son piano sont toujours une leçon de musique, une leçon sur ce qu'apporte l'harmonie jazz, à son paroxysme lorsque l'avalanche de notes garantit pourtant une singulière simplicité. Le doigté parfait d'un très grand pianiste de jazz qui a su conjuguer le lyrisme avec la technique. -Jean-Michel Schlosser.

Comme de nombreux jazzmen américains, c'est en France que le pianiste Thelonious Monk trouve un refuge provisoire. Nous sommes en 1954, et des Français mélomanes invitent le pianiste à s'exprimer en solo. Il en résulte un enregistrement fascinant: les constructions harmoniques et mélodiques de ce génie du clavier sont mises à nu, l'absence de tempo extérieur confère à Monk la vertu d'une sorte d'homme-orchestre qui contrôle lui-même son processus créatif. Un disque court (à peine 30 minutes) mais d'une intense richesse. -Eric Frank.

Standards compile le meilleur de deux albums de l'organiste Jimmy Smith, House Party et Home Cookin', réalisés en trio avec le guitariste Kenny Burrell et le batteur Donald Bailey. Le "meilleur" représente cinq morceaux tandis que les sept autres, jusqu'à la sortie de ce CD, restèrent inédits - le collectionneur ne pourra donc se débarrasser de ses LP et se devra d'acquérir ce disque. Funky à souhait, la musique de Jimmy Smith ne s'embarrasse pas de fioritures inutiles : elle va droit au but avec un swing alerte gorgé de soul comme en témoignent les versions ici interprétées de "Mood Indigo" et "Bye Bye Blackbird". Un seul titre est signé par le leader, l'excellent "Last Dance" qui clôt chaleureusement l'ensemble. -Hervé Comte.

Stefano di Battista rêvait de faire jouer sa musique par un orchestre symphonique. Rassemblés au Studio Davout, les 43 musiciens de l'Orchestre Mozart, offrent un écrin sonore à ses saxophones, alto et soprano, et à sa propre formation, un quartette réunissant Eric Legnini au piano, Rosario Bonaccorso à la contrebasse et André Cecarrelli à la batterie. L'utilisation des cordes dans le jazz a rarement été satisfaisante. Peu d'arrangeurs surent éviter le piège de l'académisme et même les disques les plus célèbres du genre – ceux de Charlie Parker et de Clifford Brown – n'ont jamais fait l'unanimité. Stefano di Battista a, quant à lui, confié ses compositions à Vince Mendoza, subtil arrangeur de petites et moyennes formations dont les travaux pour grands orchestres semblent plus contestables. Mendoza n'alourdit toutefois jamais la musique. Certains passages conventionnels sont largement rachetés par les improvisations du saxophoniste, Stefano jouant avec fougue, autorité et puissance, loin de toute mièvrerie romantique. -Pierre de Chocqueuse.

Si il y a un couple d'auteurs qui a marqué le cinéma français, il s'agit bien du compositeur Philippe Sarde et du réalisateur Claude Sautet. Hommage à ce dernier, la B. O. F du Cinéma de Claude Sautet rassemble l'ensemble des collaborations tant réussies. Tout commença en 1970 avec le film Les Choses de la vie et sa sublime "Chanson d'Hélène" interprétée par Romy Schneider. Un ton, une atmosphère étaient nés et durant les années qui suivirent, jamais la magie communicative des deux artistes ne subit le moindre écart. Simple, touchante et vivante, proche de nous tous, les différentes partitions de Philippe Sarde, de César et Rosalie en passant par Vincent, François, Paul et les autres, jusqu'à l'ultime Nelly et Monsieur Arnaud, nous émeuvent toujours autant et nous rappellent les plus grands moments d'un cinéma d'auteur qui a souvent atteint la perfection. Un témoignage culturel et musical qui n'a pas son pareil. -Didier Leprêtre.

Bien avant que Chick Corea ne tente des expériences multiples de fusion durant les années 80 et 90 (avec l'Electrik Band en particulier), le pianiste avait tenté une première expérience de fusion musicale très réussie, avec ses deux moutures du Return To Forever, au début des années 70. En compagnie de Stanley Clarke et Airto Moreira (entre autres), il avait réussi à recréer de toutes pièces une musique s'inspirant à la fois du jazz, du rock et des musiques ethniques (expérience world dont le firmament sera My Spanish Heart). Ce Romantic Warrior est issu de cette période de laboratoire, au début des années 70. Une musique pointue, exigeante, parfois âpre, qui tranche avec les dérives coupables d'un certain jazz-rock. Un excellent album de transition entre les débuts virtuoses du pianiste (alors souvent accompagnateur) et son envol vers d'autres sphères musicales, à partir de la fin des années 70. -Eric Frank.

Cette french touch n'a vraiment que peu à voir avec celle des musiciens plus branchés électroniques. Non ici, le roi du piano à bretelles touche du doigt l'essence du jazz dans son assertion européenne. Notes bleues certes, mais avec ce qu'il faut de références aux autres musiques du terroir, comme celles du musette et des bals pop. Et pour parvenir à cette fusion, le Niçois Richard Galliano multiplie les possibilités, parfois avec un trio électrique, parfois avec un trio plus éclectique. Enfin, c'est l'occasion d'entendre, pour l'une de ses ultimes apparitions, le contrebassiste Jean-François Jenny-Clark, pilier de la scène française. -Jacques Denis Une ballade new-yorkaise qui ressemble à un plat relevé, épicé et métissé ! Outre l'Italien d'origine Richard Galliano, on y retrouve en effet le Manouche Birelli Lagrene, le batteur noir Al Foster et le Tchèque émigré George Mraz. Que du beau monde, très inspiré, pour une série de thèmes "mid-tempo", qui vont de l'hommage à Barbara à une reprise d'Astor Piazzolla. Un recueil hors du temps, distingué, comme toujours dans le cas de cet esthète accordéoniste. -Eric Frank.

Jackie Terrasson sait mettre en valeur une ballade, éclairer une mélodie de manière toute intérieure. Le délicat pianiste ne se contente pas de jouer de belles phrases avec peu de notes. Son approche musicale reste minimaliste mais ses fermes attaques peuvent être aussi soudaines que percutantes. Il réorganise rythmiquement les thèmes qu'il reprend d'où la place importante que tiennent dans sa musique la basse d'Ugonna Okegwo et la batterie de Leon Parker, depuis longtemps ses complices. Ce dernier n'utilise d'ailleurs que le strict minimum, une grosse caisse, une caisse claire et une cymbale. Dans ce disque, le premier qu'ils ont enregistré pour Blue Note, les trois hommes cultivent les contrastes et les ruptures de tons. Comme Ahmad Jamal, Jacky Terrasson sait économiser ses moyens. Il se retient pour accélérer et donner du volume, de la dynamique à ses phrases. De connivence avec son trio, il installe une tension permanente, attend pour mieux atteindre et décline sobrement l'essentiel. -Pierre de Chocqueuse.

Enregistré en janvier 1956, Pithecanthropus Erectus marque un tournant dans la carrière de Mingus qui parvient enfin à organiser sa musique de manière totalement cohérente. Le contrebassiste abandonne ses difficiles partitions pour transmettre son art oralement, contraignant ainsi ses musiciens à s'investir davantage, à participer collectivement à la création de ses oeuvres. Cette nouvelle méthode de travail l'oblige à concevoir ses morceaux pour des exécutants bien précis, Mingus tenant compte de la personnalité de chacun lorsqu'il imagine sa musique. Inaugurant une longue série de chefs- d'oeuvre, Pithecanthropus Erectus est avant tout célèbre pour la composition du même nom, une suite découpée en quatre mouvements illustrant divers épisodes de l'aventure humaine. Les autres pièces fortes en sont "Foggy Day" et "Love Chant", le premier étant la description musicale des impressions auditives d'un piéton de San Francisco, le second une longue suite de variations modales permettant au quintette d'improviser dans la durée. -Pierre de Chocqueuse.

Décédée des suites d'un cancer en novembre 1996, à l'âge de trente-trois ans, Eva Cassidy n'a pu connaître de ce côté-ci de l'Atlantique le succès que le public américain lui avait fort justement accordé. La jeune artiste du Maryland faisait partie de ces très rares chanteuses capables, à l'instar naguère de Billie Holiday ou de Janis Joplin, de transmettre l'émotion, de faire chavirer les cœurs dès le premier mot chanté. Que ce soit dans le jazz, la pop, le blues ou la soul, ses accents de sincérité, sa force dans l'interprétation en ont fait une interprète à part. Il suffit d'écouter Songbird pour s'en convaincre. Anthologie où l'on retrouve les meilleures plages de Live At Blues Alley, d'Eva By Heart et de The Other Side (enregistré avec Chuck Brown), Songbird, dont la chanson-titre est une composition de Christine McVie (de Fleetwood Mac), a valu à Eva Cassidy de briller de mille feux dans les styles les plus divers et, dans ses recréations de "Fields Of Gold" (de Sting), d'"Autumn Leaves" (les "Feuilles mortes" de Prévert et Kosma) et d'"Over The Rainbow" (immortalisée par Judy Garland), de donner une nouvelle définition du romantisme en musique. -Philippe Margotin.

On a souvent reproché à Oscar Peterson une virtuosité excessive qu'il tient d'Art Tatum, une de ses premières influences. Force est de reconnaître toutefois que la précision de ses phrases comme leur articulation sans faille laissent rarement indifférent. Sans compter qu'elles balayent fréquemment les moindres réticences sur leur passage, surtout "live" où Oscar Peterson s'y entend comme pas deux pour faire sonner son piano. Ici épaulé par le solide Ray Brown et le fin Ed Thigpen, le pianiste ne laisse pas son répertoire au hasard : "Corvocado" et "My One And Only Love" sont là pour servir son sens de la précision qui n'a d'égal que la richesse de son swing raffiné. We Get Requests est l'oeuvre d'un maître. -Philippe Robert.