Deux ans auparavant, Miles a enregistré Porgy And Bess de George Gershwin, un de ses disques préférés. Avec Gil Evans de nouveau, il se lance dans l'interprétation du "Concierto de Aranjuez". On pense évidemment à Ravel, qu'évoquent la luxuriance et la sophistication extrêmes des arrangements, dessinant une Espagne que l'on retrouve aujourd'hui fantasmée chez Pedro Almodovar. Point de castagnettes ici : le folklore dont n'est retenue que l'essence du flamenco n'est pas convié à la fête, sur laquelle plane d'ailleurs une sourde mélancolie alanguie, une tristesse à vous coller le bourdon. Avec Ascenceur pour l'échafaud, Miles offrait une musique de film noir envoûtante. Avec Sketches Of Spain, il récidive : il ne reste qu'à inventer les images. -Philippe Robert.

Après une poignée d'albums en trio qui ont révélé toute la science et le talent du pianiste Brad Mehldau, ce dernier choisit de s'offrir une pause en 1999, avec un album solo. On y détecte ce que l'on pressentait sur ses albums précédents : Brad est un incorrigible romantique, influencé aussi bien par Bill Evans ou Chet Baker que Beethoven ou Debussy. La poignée de compositions de Elegiac Cycle révèle un être sensible sans être torturé. Un album d'une beauté diaphane. -Eric Frank.

La critique fut souvent injuste envers Dave Brubeck. Attaquant un pianiste certes un peu raide, elle occultait un compositeur audacieux qui bien avant les autres explora polytonalité et polyrythmie, contrepoint et fugue, nourrissant d'ambitieuses créations. Trop en avance sur son temps, Brubeck jugea bon de simplifier sa musique, formant un quartette avec le saxophoniste Paul Desmond pour mieux la faire connaître. Le groupe fut enfin stable en 1958, lorsque Joe Morello à la batterie et Gene Wright à la basse en constituèrent la rythmique. Enregistré un an plus tard, Time Out consacrait les travaux de Brubeck, ses séduisantes mélodies parvenant à convaincre un très large public. "Blue Rondo A La Turk", rondo de forme classique trempé dans le blues et bénéficiant d'un rythme en 9/8, étonne par sa construction. Adapté par Claude Nougaro, "Three To Get Ready" deviendra "Le jazz et la java". Mais c'est surtout "Take Five", un thème en 5/4 de Paul Desmond, l'un des plus célèbres de l'histoire du jazz, qui donne tout son poids à ce recueil de tubes. -Pierre de Chocqueuse.

Que cette grande jeune femme blonde et canadienne soit devenue pour une large audience "la" chanteuse de jazz de la fin du XXe siècle peut étonner à première vue. Mais dès la première écoute on doit admettre que Diana Krall mérite, sinon un tel intérêt médiatique et public, du moins une place de choix dans le panthéon du chant jazz. D'abord, c'est une authentique musicienne, pianiste douée qui connaît ses classiques - de Nat King Cole (auquel elle a rendu un fort bel hommage avec son propre trio) à Ahmad Jamal. Ensuite elle a côtoyé, et séduit par son talent, de vieux briscards tels que Ray Brown ou Jimmy Rowles qui ont vu défiler avant elle le gratin du swing vocal. Dans cet enregistrement, son premier avec une formation aussi étoffée, c'est sa voix qui est essentiellement mise en valeur et son timbre légèrement voilé, sa diction impeccable et l'émotion discrète qu'elle exprime la classent parmi les interprètes les plus convaincantes de ce répertoire d'un classicisme éprouvé. -Thierry Quénum.

Diana Krall, cette jeune et blonde chanteuse canadienne, s'est imposée au jazz vocal en l'espace d'une poignée d'années, avec une célérité réellement stupéfiante. On peut comprendre pourquoi en écoutant cet album, son troisième chez Impulse !. La douce voix profonde de Krall - qui ressemble beaucoup à celle de Shirley Horn - guide son trio vers des interprétations exemplaires de standards pourtant éculés ("Gentle Rain", "They Can't Take. "). Diana Krall est-elle la nouvelle "force tranquille" du jazz vocal ? -Eric Frank.

En 1971, dans l'excellent Facing You, Keith Jarrett pose les bases d'une vision du piano solo qui deviendra sa marque de fabrique. Quatre ans plus tard, en public, il porte son style à un niveau de flamboyance qui lui assurera une renommée planétaire débordant largement le cercle des amateurs de jazz. Réminiscences romantiques et impressionnistes, harmonies classiques mâtinées d'influences gospelisantes, feeling "gros comme ça" exprimé par des grognements et un martèlement du pied aux moments les plus inspirés, place importante accordée à des mélodies séduisantes, sens de la construction enfin, qui transforme ces improvisations solitaires en montées quasi orgastiques par paliers de tension et de détente : tous les ingrédients sont réunis pour séduire un vaste auditoire conquis par tant de talent et d'apparente sincérité. Un jazz qui allie virtuosité, chaleur et plaisir du musicien comme du public. Incontournable. -Thierry Quénum.

Sous-titré "The Count Meets The Duke", ce disque enregistré en 1961 immortalise la rencontre tant fantasmée entre les deux plus belles machines à swing jamais imaginées, alors chacune à l'apogée de leur créativité. A l'extrême sophistication d'Ellington (le raffinement de ses coloris, l'onctuosité de ses sonorités), Basie oppose son style direct et pneumatique ancré dans le blues : le choc est frontal. Ce qui n'aurait pu être qu'un coup opportuniste de producteur roublard, une parenthèse aimable et anecdotique dans la carrière de ces deux géants du jazz s'avère à l'arrivée à la fois une extraordinaire séance, toute de swing et de décontraction, et un passionnant document sur deux manières bien distinctes et finalement complémentaires de penser le grand orchestre et la dialectique écriture/improvisation. -Stéphane Ollivier.

Insaisissable Keith Jarrett, qui semble surgir à chaque fois là on ne l'attend pas. Le voici en 1999 avec cet album totalement dépouillé et minimaliste, hommage simple et émouvant à quelques standards immémoriaux. Gershwin, Ellington, Hammerstein ou Cahn sont convoqués au chevet du piano transparent et lumineux de Jarrett, pour une ronde magnifique, comme en apesanteur. Un standard éculé comme "I Loves You Porgy" devient une promenade impressionniste, amplifiée par le timbre des notes détachées du pianiste. "Don't Ever Leave Me" bouleverse par sa simplicité pudique, et il en est ainsi de chaque composition de ce disque qui demeure une rupture finalement importante dans la carrière du prolixe pianiste. 50 minutes de sensualité à fleur de peau qui peuvent sans mal convaincre les derniers réfractaires à l'esthétique Jarrett. À noter que le disque comporte une composition originale de l'interprète, "Meditation". On ne saurait mieux dire. [+]

Enregistré à Londres, les 26 et 28 juillet 2000, Inside Out inaugure un cycle d'œuvres expérimentales qui doivent voir le jour dans un avenir proche. Lassé de jouer des standards, le pianiste choisit de se laisser porter au gré de ses idées, d'improviser librement sur des riffs, des lignes de blues qui lui viennent à l'esprit. On attendait un disque de free jazz, une musique déconstruite dans l'esprit de ses premiers et plus anciens albums. Il n'en est rien. Jarrett n'a tout simplement pas de nouveaux thèmes à proposer, ce qui nous vaut un concert ouvert dans lequel le trio s'exprime avec la plus grande liberté. Gary Peacock et Jack DeJohnette l'accompagnent depuis dix-huit ans, connaissent ses tics et ses trucs et anticipent ses moindres désirs. Jarrett choisit pourtant de minimiser les risques au détriment d'une véritable recherche collective, de longues plages mélodiques tempérant ses audaces. Son public habituel ne lui sera que plus fidèle. -Pierre de Chocqueuse.

Suivant l'exemple de Miles Davis, Herbie Hancock, dès 1970, va lui aussi innover, tremper son art dans la fusion. La musique de son sextette, un jazz électro-acoustique et expérimental, est encore beaucoup trop savante et cérébrale pour un jeune public malgré de longs ostinatos funky et le recours fréquent à des rythmes binaires. Pour mieux se faire comprendre, Herbie va alors simplifier, proposer un jazz funk beaucoup plus charnel dans le cadre d'un nouveau groupe, les Headhunters, mieux adapté à son désir de renouer avec ses racines africaines au sein d'une instrumentation digne des plus grands groupes funk de l'époque, la musique de Sly Stone servant de modèle. Ne conservant que Bennie Maupin de l'équipe précédente - il joue de très nombreux instruments à vent et apporte ainsi une grande variété de couleurs à la formation - Herbie au piano électrique et aux synthétiseurs frappe alors un grand coup avec l'enregistrement en 1973 de l'album Head Hunters, un immense tube "Chameleon" et une reprise de son célèbre "Watermelon Man" lui assurant un succès planétaire. -Pierre de Chocqueuse.

En quartette avec le saxophoniste Charlie Rouse, le bassiste Butch Warren et le batteur Ben Riley, Thelonious Monk offre une musique sans compromis, quasiment brute de décoffrage pour l'époque. Enracinant chacun de ses chorus dans la tradition du piano (son côté stride hérité de James P. Johnson) tout en travaillant son déroulement d'une façon pour le moins singulière et sarcastique, convoquant, dans un même élan, passé et avant-garde, It's Monk Time se révèle être au fil des ans une pièce majeure dans la carrière du derviche. L'album se clôt sur une version enlevée de "Shuffle Boil". Le pianiste Laurent de Wilde, grand connaisseur de Monk, a d'ailleurs repris ce morceau sur son album Time 4 Change qui marque son passage de l'acoustique à l'electro. -Hervé Comte.

Brad Mehldau poursuit son irrésistible ascension. La pression augmente avec cet album qui présente de superbes compositions personnelles ("Sehnsucht", "Song-Song". ), mais aussi des reprises audacieuses (un décapage de "Young At Heart", "Exit Music" de Radiohead ou "River Man" de Nick Drake. ). Ses éternels partenaires Jorge Rossy et Larry Grenadier sont bien présents, et laissent le prodige délié son jeu inspiré et romantique. Un pianiste coincé entre jazz, chanson et classique. [+]

Une des valeurs sûres de notre patrimoine national du jazz qu'est Michel Legrand s'en va outre-Atlantique diriger des orchestres composés du must de ce qui se fait à l'époque, en 1958. Utilisant la déclinaison des grands standards comme "Round Midnight", "Night In Tunisia" ou "Nuages" et bien d'autres, Michel Legrand conduit ces formidables machines à rythme et à feeling sans pour autant se départir de sa patte si particulière. Les interventions des solistes sont en accord avec l'idée que se fait Michel Legrand de l'harmonie, arrivant à concilier son style d'expression bien reconnaissable avec les particularités de jeu des sidemen dont l'énumération consisterait à elle seule à orner le temple du jazz. De Miles Davis à Phil Woods, de Coltrane à Donald Byrd, d'Art Farmer à Hank Jones, de Bill Evans à Ernie Royal et ainsi de suite, toute une pléiade de génies du jazz se trouve ici rassemblée sous la baguette d'un maître intransigeant pour qui la qualité de l'écriture est la condition sine qua non de la beauté et la poésie de l'interprétation celle du lyrisme. Un disque qui possède des qualités de charme qui n'ont ni âge ni valeur, tant il s'agit d'un monument par la relecture des morceaux que par la bravoure des musiciens attachés au credo du Legrand Jazz. -Jean-Michel Schlosser.

Brad Mehldau est aujourd'hui le pianiste dont on parle le plus, un musicien attachant, un mélodiste exprimant ses doutes, ses émotions au grand jour. Cet enregistrement de 1996 nous fait plonger dans l'intimité d'un piano qui n'est que l'exact reflet de ses sentiments. En parfaite communion avec la basse de Larry Grenadier et la batterie de Jorge Rossy, Brad donne libre cours à son profond tempérament romantique. Comme, avant lui, Bill Evans, Herbie Hancock et Keith Jarrett, l'ex-pianiste de Joshua Redman s'inspire des harmonies de la musique classique européenne, utilise fugue et contrepoint pour créer une polyphonie obsédante, le décalage de ses mains lui permettant de simultanément développer plusieurs cycles rythmiques. Le jazz rencontre Brahms, Schubert, Chopin dans de troublantes compositions : "Mignon's Song" dont les quatre premières notes appartiennent à Schumann ; le mélancolique "Lament For Linus" ;les quelques standards qu'il reprend des thèmes inspirés du trompettiste Chet Baker dont il partage la sensibilité. -Pierre de Chocqueuse.

Lorsque Antonio Carlos Jobim enregistre A Certain Mr Jobim, l'époque des succès en compagnie de Stan Getz et Charlie Byrd est loin ("The Girl From Ipanema", "Agua de beber", etc. ), même si Frank Sinatra le sollicite pour enregistrer avec lui sur son label Reprise. Après les excellents Love, Strings And Jobim et The Wonderful World Of Jobim, cet album est le troisième qu'il enregistre pour Warner, et le troisième également avec l'arrangeur Claus Ogerman (après un disque paru sur Verve et celui réalisé en compagnie de Sinatra). Peu de renseignements précis ont filtré de cette séance, tant sur les notes de pochette originales qu'en ce qui concerne cette réédition. Parmi les anecdotes, on sait juste que le guitariste classique Romeo Di Giorgio apporta toute sa science, comme le percussionniste Dom Um Romao qui intégrera plus tard Weather Report. La musique, lyrique à souhait, doit beaucoup aux impressionnistes français (Ravel, Debussy), comme à Villa-Lobos. Certes plus difficile d'accès que ses classiques immortels qui participèrent à la reconnaissance internationale de la bossa-nova, la magie de cette œuvre ambitieuse demeure intacte. -Philippe Robert.

Après When I Look In Your Eyes, superbement arrangé par Johnny Mandel et disque de platine, Diana Krall a pris tout son temps pour préparer son album suivant, un recueil de ballades et de bossas-novas admirablement produit et enregistré. Outre la présence d'une formidable rythmique avec Christian McBride à la basse, Peter Erskine à la batterie et le fidèle Russell Malone à la guitare, la chanteuse, elle-même au piano, s'offre le London Symphony Orchestra confié au grand Claus Ogerman. Ce dernier, jadis le maître d'œuvre de quelques-uns des meilleurs albums d'Antonio Carlos Jobim, a une manière toute personnelle d'utiliser les flûtes de l'orchestre, de les organiser en section pour répondre aux violons. Grand spécialiste de la musique brésilienne, il sait donner de chaudes couleurs à ses partitions et de la légèreté à ses masses orchestrales. Bénéficiant d'un tel soutien, la belle voix de Diana Krall ne peut que convaincre dans ses reprises de "S'Wonderful", "Cry Me A River", "Dancing In The Dark" ou "The Look Of Love", d'inoubliables mélodies qu'elle ajoute à son déjà vaste répertoire. Un succès assuré. -Pierre de Chocqueuse.

En peu de temps, Diana Krall a conquis un statut mérité de diva du jazz vocal. Ses pairs, de Jimmie Rowles à Ray Brown, ont reconnu en elle une chanteuse au swing convaincant, dont le timbre voilé et la diction parfaite touchent d'emblée. Alors qu'elle vient d'épouser Elvis Costello sort cet opus en SACD. Un disque flamboyant, produit par le vétéran Tommy LiPuma, où l'on remarquera entre autres les jazzmen Christian McBride et Peter Erskine. Du livret interprété, Costello a justement coécrit huit morceaux. Par ailleurs, Diana Krall reprend "I'm Pulling Through" autrefois immortalisé par Billie Holiday, et le génial "Temptation" de Joni Mitchell dont la version est à la hauteur de l'original. Les fans seront encore aux anges. -Hervé Comte.

Brad Mehldau a beaucoup voyagé ces dernières années. Particulièrement en Europe où son style, profondément marqué par la tradition romantique du vieux continent, lui gagne à la fois un public venu de la musique classique, le public jeune (dont son âge et son lyrisme le rapprochent) et une partie du public jazz. Ceux que le maniérisme et la conception peu tapageuse du swing que défend Mehldau ne seront guère plus convaincus par cet enregistrement que par les précédents mais les autres y verront les traces d'une maturité en marche et une étape dans sa discographie après un disque solo controversé et une série de live. Enregistré en studio, Places alterne, en une sorte de synthèse des deux CD précédents, plages de pur piano et pièces jouées en trio. Mehldau y opère un retour sur différents lieux de vie ou de passage qui l'ont marqué (Los Angeles, Amsterdam, Paris, Madrid. ) et produit une musique aérienne qui unit sensibilité et cohérence thématique. Du grand art, donc. -Thierry Quénum.

Enregistré en 1979, avec Marc Johnson à la basse et Joe La Barbera à la batterie, cet album du pianiste Bill Evans nous plonge dès les premières notes dans son univers intimiste et feutré. L'utilisation de son exceptionnelle connaissance de l'harmonie donne à Bill Evans cette faculté d'étendre la gamme de ses improvisations sur des chemins inconnus jusqu'alors, et de réinventer le langage pianistique au point de faire du clavier une multitude orchestrale de tonalités et de sons. L'histoire que raconte Bill Evans est un savant mélange de simplicité et d'extensions chromatiques inusitées. La difficulté des thèmes est ennoblie par la facilité avec laquelle on se surprend à pouvoir les fredonner, et c'est là la grande leçon de swing que nous donne le pianiste. Chaque note est inattendue et tombe pourtant à chaque fois dans la justesse d'un discours qui se veut compliqué et sobre à la fois. Ce Paris Concert, c'est le jazz pur de Bill Evans, dans la lignée des géants du piano jazz, avec l'apport des pianistes classiques français du début du XXe siècle. Surprenantes et graciles, jamais faciles ni gratuites, les interventions de Bill Evans sur son piano sont toujours une leçon de musique, une leçon sur ce qu'apporte l'harmonie jazz, à son paroxysme lorsque l'avalanche de notes garantit pourtant une singulière simplicité. Le doigté parfait d'un très grand pianiste de jazz qui a su conjuguer le lyrisme avec la technique. -Jean-Michel Schlosser.