En 1998, Madonna sort Ray Of Light et lève le voile sur sa dernière incarnation. Devenue maman, elle délaisse la provocation des débuts, mais conserve son goût pour la musique à (faire) danser. Aidée de William Orbit à la production, elle se lance tête baissée dans l'électronique, les samples et les atmosphères plutôt planantes. "Frozen", l'un des premiers singles, est une ballade empreinte de sonorités d'un autre monde, mi-orientales, mi-new age. Madonna y pose sa voix mieux que jamais : elle a perdu son timbre enfantin, pour les besoins de la comédie musicale Evita, tournée plus tôt. Toujours dans l'air du temps, elle maquille quelques morceaux d'influences indiennes allant même jusqu'à chanter en indi le clinquant "Shanti/Ashtangi". On retrouve aussi l'ancienne Madonna et sa passion pour les rythmes enlevés sur le survolté "Ray Of Light" ou sur l'extrêmement pop "Candy Perfume Girl". En attendant de voir à quoi elle ressemblera au prochain épisode. [+]

Madonna est une fille curieuse de musique. Elle fouine, écoute ce qui se fait ou va se faire, intègre, vampirise. Sachant parfaitement se remettre en question, elle prend les risques qu'il faut pour faire de sa musique un éternel renouvellement. Music, son nom l'indique, n'échappe pas à ce schéma. Entourée de Mirwaïs, ex-Taxi Girl revenue sur les devants de la scène électro avec la sortie de son album Production, et de William Orbit déjà présent sur Ray Of Light, Madonna sort un album extraordinairement pur, allant de la house la plus brute - "Impressive Instant" - à la dance pop - "Amazing" -, en passant par des ballades très Red Hot Chili Peppers dans leurs quelques instants romantiques - "I Deserve It" -, ou le tordu "Don't Tell Me", aux cordes lancinantes et sublimes. Voix trafiquée et attaques de claviers ovnis amplifient la gaité toute électro de cette gigantesque fête ou allègent les ballades mélancoliques. Madonna aime définitivement la musique et celle-ci, en accord avec l'auditeur, le lui rend bien. -Anne-Claire Norot.

La magie de cet album tient d'abord à l'efficacité des compositions. Contrairement à certaines expériences passées, les prouesses techniques sont ici mises au service d'une interprétation flamboyante. Comme les autres membres du groupe, Ritchie Blackmore est prodigieux : il se montre à la fois sensible dans ses solos et d'une puissance hors norme dans ses riffs. Pour preuve "Smoke On The Water" (qui relate l'incendie du Casino de Montreux pendant un concert des Mothers Of Invention). Avec Machine Head et des compositions telles que "Highway Star", "Space Truckin" et "Lazy", Deep Purple a bien eu raison d'axer sa démarche sur l'émotion et l'énergie propres au hard-rock. Paru en 1972, cet album n'a pour ainsi dire pas pris une ride, d'autant que cette édition de luxe de deux CD comprend des remixes (certains quadriphoniques) et un livret qui font bien mieux qu'entretenir le mythe. -Philippe Margotin.

Au départ, La Rue Kétanou était un spectacle de rue qui mariait le théâtre et la chanson autour d'une devise "C'est pas nous qui sommes à la rue , c'est la Rue Kétanou". Ce trio, poétique à souhait, explore sans détour mais toujours avec une pointe d'humour et de cynisme les tourments humains. C'est d'ailleurs dans cet état d'esprit que Mourad, Florent et Olivier s'affranchissent du quotidien, trinquent à la vie et refont le monde avec toute l'impertinence et la sincérité des artistes de rue. Leur deuxième album fleure bon le reggae-rock-tzigane, le petit bal musette, la bonne bouffe et l'ambiance des troquets. Dans leur bagage : un accordéon et deux guitares sèches qui, sur fond de chansons réalistes, sèment la pagaille, montent en volume et vous invite au final à faire quelques pas de danse. Alors, si vous passez par hasard dans la rue Ketanou, prenez le temps de vous y arrêter ne serait-ce que pour entendre le son festif, rythmé et coloré de ce collectif de joyeux saltimbanques. Bonne humeur assurée. -Valérie Dupouy.

Propulsés par les riff stylés du single "The Modern Age", les Strokes, combo punky arty composé de fils de bonne famille quittent leur New York natal pour débarquer à Londres début 2001. Le groupe incarne, au nœud de cravate près, l'énergie brute gavée du romantisme urbain des poètes seventies assignés à résidence au CBGB. Auréolé de cette bonne réputation, les Strokes balancent en 37 minutes un premier album, Is This It, enregistré en un mois et demi avec l'aide précieuse d'un certain Gordon Raphael. Lestée de 11 futurs classiques ficelés par la voix à la Lou Reed du chanteur Julian Casablancas et les guitares à la Pixies de Nick Valensi et d'Albert Hammond Jr, cette insolente carte de visite fait de nouveau rimer Rock et New York. Dignes héritiers à la classe négligée des tenants de la rock attitude, du Velvet aux Ramones, les Strokes affublés du titre encombrant de nouvelle sensation du rock américain possèdent les chansons ("New York City Cops", "Someday", "! Alone, Together". ) et l'attitude. Les Strokes, juste cinq garçons dans le vent auxquels l'avenir appartient ! -Sabrina Silamo.

C'est après avoir fait vibrer les murs des clubs de Boston qu'Aerosmith, en 1972, a fini par décrocher un contrat chez Columbia. Paru en 1973, le premier opus du groupe, tout simplement intitulé Aerosmith, rend d'ailleurs parfaitement compte de l'énergie que le quintette exprimait alors devant les teen-agers. Le blues-rock et le hard-rock, voilà les deux sources auxquelles viennent s'alimenter Steven Tyler, Joe Perry, Brad Whitford, Tom Hamilton et Joey Kramer. On pense aux Stones – et pas seulement pour la moue très jaggerienne de Steven Tyler – et aux Stooges, voire aux New York Dolls ; mais, en même temps, on devine qu'Aerosmith est, ici, en train de trouver son style – ce rock du metal et de la sensualité porté au zénith avec Toys In The Attic. Ainsi, en plus de la ballade "Dream On" qui, remixée, entrera dans les charts en 1976, "Mama Kin", "Make It" ou la reprise de "Walking The Dog" ont très largement accéléré le renouveau du rock américain. -Philippe Margotin.

"Noir" est le mot qui vient immédiatement aux lèvres quand il s'agit de qualifier L'Imprudence, disque profondément envoûtant et qui a peu d'équivalents du côté de la chanson française. Un cadre où, d'évidence, l'art de Bashung est trop à l'étroit, ce dont témoigne la diversité des horizons dont proviennent les musiciens qu'il a conviés pour l'épauler dans sa tâche. Comme, par exemple, le fidèle guitariste Marc Ribot, pilier de la scène downtown new-yorkaise et ami de Bashung depuis Chatterton, qui vrille l'ensemble de son jeu foncièrement atypique, ou son compatriote Arto Lindsay également présent. Les autres ne sont d'ailleurs pas moins remarquables. La rythmique, puissamment sensuelle bien que complexe, est assurée par Simon Edwards, ex-bassiste de Talk Talk, et Martyn Barker, ex-batteur de Shriekback. Les accords magiques de piano sont le fait de Steve Nieve (repéré chez Elvis Costello), et certaines percussions métalliques, jouées par le jazzman Mino Cinelu. L'album doit toutefois l'essentiel de son opulence urbaine, paradoxalement à la fois plombée et aérienne (à l'image des précédents Novice et Fantaisie militaire), à la production signée par Jean Lamoot, véritable metteur en scène/metteur en sons, épaulé par quelques jeunes trublions férus d'electro, dont Ludovic Bourse (un proche de Zend Avensta, par ailleurs présent) et Mobile In Motion. Jean Fauque, mais aussi Miossec, pour un seul titre qui clôt le disque en beauté ("Faisons envie"), ont écrit de précieuses paroles. Beaucoup des trouvailles lexicales renvoient à des ambiances musicales en forme de cinéma pour les oreilles – notamment lorsque résonne un harmonica à la Morricone. Bashung plane sur l'ensemble, impérial, avec son fameux talk over qui évoque Gainsbourg. [+]

Parmi les différents albums de CSN&Y, Déjà Vu est celui qui atteint la perfection. Outre qu'il reflète le rêve convivial de la "Woodstock Nation", il témoigne de la formidable puissance créatrice des quatre musiciens qui n'entame en rien la personnalité propre à chacun. Que ce soit "Woodstock", "Teach Your Children", "Almost Cut My Hair" ou "Helpless", que les morceaux soient acoustiques ou électriques, Déjà Vu, magnifié par des harmonies vocales qui donnent de la substance à ce que représente le mythe californien, sonne comme l'un des plus lumineux témoignages de l'humanisme contre-culturel. Un chef-d'oeuvre indémodable qui a influencé et continue d'influencer un nombre incalculable de compositeurs à travers le monde! - Philippe Margotin.