Sur Homogenic, troisième album de la chanteuse islandaise Björk, des événements personnels qui lui valurent les gros titres se transforment en poussées d'introspection. Après une année mouvementée, marquée par la réception d'un colis piégé, une altercation dans un aéroport et une bagarre entre ses ex-amants Tricky et Goldie, Björk ressent le besoin de se ressourcer. Sur cet album, elle se perd dans un océan d'instruments à cordes accompagné de techno minimaliste. L'excentricité et la schizophrénie stylistique de Debut et de Post cèdent ici le pas à une face plus sombre, plus sublimée. Dans Homogenic, non seulement ses chansons évoquent des thèmes plus adultes, comme la paranoïa, les ruptures et la désillusion, mais ils sont traités dans un registre plus homogène. Rien d'étonnant à cela, puisque Björk a assuré elle-même la production de l'album. Mis à part une collaboration ponctuelle avec Mark Bell, de l'obscure formation techno LFO, et avec l'Octet à cordes islandais, cet album est le reflet le plus pur de sa vision personnelle. Qui pouvait penser qu'un personnage aussi déroutant pouvait avoir une représentation du monde aussi noire  ? Homogenic est difficile à avaler d'une traite, et certaines chansons, comme l'ardu "Pluto", sont franchement inécoutables. Mais il y a des moments d'inspiration qui en transcendent la noirceur, notamment le méditatif "Joga" et l'inspiré "Bachelorette". -Aidin VaziriElle explore de nouveaux horizons et découvre les chemins chaotiques de la passion amoureuse. [+]

On pourrait résumer la carrière de Guns N' Roses en citant une phrase de leur titre "Pretty Tied Up" (Je viens de trouver le million de dollars qu'un autre a perdu). En effet, Guns est arrivé au moment où un grand public de puristes était en manque de vrai hard-rock au son colossal alors que des wagons de groupes alternatifs commençaient à attirer l'attention de la presse spécialisée et des maisons de disques. Le dernier et plus grand groupe originaire de la scène glam-metal hollywoodienne des années 80 a livré pendant deux décennies de violents assauts musicaux qui, malgré un certain arrière-goût de réchauffé, allait priver de millions de dollars la concurrence de l'époque. Si leurs titres les plus violents mêlent souvent fiction et réalité, leurs morceaux les plus efficaces ont une force, une sincérité et une efficacité indéniables. Live Era 87-93 est un double album regroupant une sélection de titres enregistrés tout autour du monde. Le premier disque composé essentiellement de titres compris sur leur premier et génial Appetite For Destruction illustre merveilleusement la férocité du quintet original. Le deuxième disque, en revanche, est à l'image de leur déclin. Le groupe tombe dans l'auto-parodie et dans la routine. Ils ont besoin d'une section cuivre comme Slash a besoin d'un verre. -Jerry McCulley.

Sorti en 1975, le premier effort solo de l'ex-leader des Amboy Dukes a des allures de manifeste du riff. Rarement, par la suite, le pittoresque guitariste-chasseur de Detroit réussira-t-il à aligner autant de bombes sur un seul album. Le long et oppressant "Stormtroopin'", l'endiablé "Motor City Madhouse", le très boogie "Just What The Doctor Ordered" (trois morceaux que l'on retrouve également en bonus - tracks, live en 1977, avec la chute de studio "Magic Party) ou encore "Snakeskin Cowboys", sec comme un claquement de fouet, resteront logiquement au répertoire de Ted Nugent pendant des années. Indiscutablement, cet album nourri à la viande rouge figure parmi les classiques du hard rock des années 70. -Thierry Chatain.

Moins connu qu'Easy Rider, Zabriskie Point d'Antonioni est un autre grand film de la contre-culture californienne. L'essentiel de sa musique a été confié à Pink Floyd et à Jerry Garcia du Grateful Dead. Le Floyd ménage quelques surprises avec "Crumbling Land", qui sonne comme de la space country, et "Come In Number 51, Your Time Is Up" qui est, en fait, une nouvelle version de "Careful With That Axe, Eugene". Comme à son habitude, Jerry Garcia improvise seul ou avec le Dead. On peut aussi découvrir le country rock assez classique du groupe Kaleidoscope et l'élégance du jeu acoustique de John Fahey. Signalons, enfin, que le deuxième CD ne contient que des inédits : des improvisations de Garcia et des compositions du Floyd parfois proches de l'album Atom Heart Mother. - Hubert Deshouse.

L'album de 1968 d'Iron Butterfly annonça l'émergence d'un nouveau genre, le hard rock, principalement par sa tonitruante chanson-titre. Écrite, semble-t-il, par le chanteur/clavier Doug Ingle défoncé et incapable d'articuler son titre original ("In the Garden of Eden"), la chanson apparaissait comme une véritable parodie des excès psychédéliques de l'époque. Chant théâtral, riffs répétitifs, solos sans fin, ce monstre de dix-sept minutes les a tous. Avec l'aide des DJ de la FM qui adoraient le programmer en entier pour justifier des pauses bien méritées, ce titre est devenu un hit incontournable, un hymne pour son époque. -Billy Altman.

Si cet album se présente un peu comme un disque de reprises, il ne s'agit pas de le considérer comme l'exercice prévisible d'un rocker sur le retour d'âge. L'éternel ancien chanteur de Led Zeppelin n'a d'ailleurs pas retenu – à une exception près – de titres du grand patrimoine. Et c'est justement cette exception qui caractérise bien l'ambition du projet. En donnant à l'inusable "Hey Joe" un habillage dramatique, il intensifie le caractère de cette tragédie meurtrière que raconte la chanson. Nous avons sans doute là la version la plus poignante du classique immortalisé par Jimi Hendrix. Toutes les forces semblent tendues au service de l'histoire que raconte la voix pleine d'émotion de Plant. On ressent la même force dans une de ces compositions comme "Red Dress", ou dans son adaptation étrange de "One More Cup Of Coffee", de Bob Dylan. Et c'est là que l'on perçoit l'intensité et l'ambition de ce disque. Un vrai travail collectif, avec des hommes qui ne recherchent pas nécessairement les lauriers, mais qui s'attachent au plus juste à faire exploser ces chansons. Les blues, contenus dans "Win My Train For Home", sont en fait un prétexte pour le groupe à expérimenter, en mêlant ambiant et vocaux plus classiques – à la façon de Moby – le registre blues, plus qu'à le respecter à la lettre. [+]

Des trois coffrets retraçant les débuts en studio de la carrière du Velvet Underground avec Lou Reed, celui-ci est le plus complet comme celui qui offre le plus d'inédits – les deux autres, également excellents, étant The Velvet Underground et What Goes On. En cinq CD, l'ensemble fait le tour de l'œuvre de ces fous de rock branchés sur la Beat generation, Andy Warhol et l'avant-garde minimaliste qui annonçaient le punk de New-Yorkais comme Patti Smith ou Richard Hell. Compilés par Bill Levenson, tous les albums y figurent, dont évidemment les indispensables chefs-d'œuvre que sont The Velvet Underground & Nico et White Light/White Heat. Surtout, ils sont augmentés par moult démos (douze au total) et six titres inédits enregistrés en public. Le livret est superbe et le packaging, warholien demeure fidèle à l'esprit du premier opus. Les fans compléteront avec le coffret japonais (quatre CD) édité par le label Captain Trip, consacré à la seconde période qui va de 1971 à 1973 (Final V. U. 1971-1973), où seule subsiste du line-up original Moe Tucker, le Velvet étant devenu la chose de Doug Yule. -Philippe Robert.

En optant pour un titre comme Out Of Time, REM choisit d'échapper aux repères du temps. Comme si l'époque l'avait entendu, c'est aussi avec cet album que le groupe accédait au statut de superstar planétaire. Et sans renier sa base de fans conquis par un travail de fourmi, d'inlassables tournées et d'albums affranchis de toute compromission. Puis est arrivée l'année 1991, et avec elle, ce Out Of Time où les quatre Georgiens vont prendre des paris inattendus. Comme celui d'ouvrir le disque par une composition ("Radio Song") où le rappeur KRS-1 se livre à une prestation imprévisible. Le ton est donné et, de surprise en surprise, REM réinvente REM "Losing My Religion" n'est pas la moindre des réussites dans ce domaine, véritable scie qui restera comme une des chansons emblématiques du groupe, avec "Shiny Happy People", l'autre méga-hit du disque. On trouve là la pimpante Kate Pierson, des B-52's, autre formation culte d'Athens, la petite ville de Georgie que REM ne quittera jamais. Et ce "Out Of Time" prend des allures de disque de pop tentaculaire, avec des rythmiques funky, des arrangements de musique de chambre et une curiosité plus que jamais revendiquée par les quatre artistes, au sommet de leur inspiration collective. Avec une figure de proue incontestée en la personne du chanteur Michael Stipe, véritable tragédien du rock'n'roll. -José Ruiz.