Lou Reed, maître ès décadence explore le caniveau berlinois. Après les trottoirs de New York glorifiés par le Velvet Underground, il recrée un Berlin blême et sordide dans lequel un couple fictif se perd jusqu'à la déchéance. Ce concept album laisse échapper à intervalles réguliers des échos berlinois typiques, ici des bruits de cabaret enfumé, là quelques notes qui semblent s'envoler d'un kiosque à musique. Mais pour l'essentiel Berlin est un disque de rock sombre et calme joué par un groupe de rêve : les frères Brecker aux cuivres, Jack Bruce à la basse, Steve Winwood à l'orgue, Ansley Dunbar à la batterie et les duettistes métal Hunter et Wagner aux guitares. Lou Reed, qui se cantonne à la guitare acoustique, a envie de finesse et de subtilité après le succès commercial de l'efficace Transformer. Le producteur Bob Ezrin l'aide à préserver la poésie fragile et vénéneuse de ce projet, envers et contre la maison de disques, effrayée par l'ambiance morbide de certaines chansons. Au final, malgré la censure du label RCA, Berlin est devenu un des plus grands classiques de l'ex-Velvet et le plus émouvant à coup sûr. -Hubert Deshouse.

Entre leur période Lovin' Spoonfull et leur période Byrds, les Flamin' Groovies ont eu leur période. Flamin' Groovies ! Leur personnalité est plus affirmée sur Teenage Head que sur leurs autres disques. Ils se concentrent sur l'écriture (deux reprises seulement : "Have You Seen My Baby ?" de Randy Newman et "32. 02" de Robert Johnson) et se forgent un style authentique qui mélange country blues ("City Lights"), rhythm'n'blues ("Doctor Boogie), country rock ("Whisky Woman") et rock garage proche du MC5, avec le morceau "Teenage Head", un de leurs plus grands classiques, repris par des milliers de groupes à travers le monde. -Hubert Deshouse.

Quand David Bowie publie Hunky Dory, le monde n'est pas tout à fait prêt à entendre ces histoires d'androgynes, adeptes d'Oscar Wilde. Lui, en revanche a pensé toute son entreprise, et avec cet album, il s'apprête à installer durablement son nom, ses métamorphoses et ses obsessions dans le paysage musical. Hunky Dory renferme tous ces ingrédients, des chansons comme "Changes" et "Life On Mars ?" diffusent instantanément l'insolent génie de Bowie. Un brin de cynisme pour ces textes irrévérencieux, et surtout un sens redoutable de la mélodie et des arrangements dont l'artiste sait depuis longtemps que les meilleurs ont été inventés entre 1960 et 1965. Des chœurs nubiles, bercés de cordes élégantes, une voix qui doit un peu à Ray Davies des Kinks, à Lou Reed, à qui il dédie le foudroyant "Queen Bitch", et à Bob Dylan, un piano – Rick Wakeman, alors clavier de Yes, magistral dans "Oh You Pretty Thing" – et enfin la guitare de Mick Ronson, pour sceller la musique dans le durable. Hunky Dory devient l'un des trois meilleurs albums de Bowie. -José Ruiz.

Peu de groupes peuvent se vanter d'avoir été aussi ignorés de leur vivant et autant adulés après leur disparition. C'est que, comme l'explique Elliott Murphy : "Les gens qui ont vu le Velvet Underground sont rares mais ils ont tous formé un groupe. " Eh oui, sans ce célèbre album à banane, pas de R. E. M. , pas de Television, pas de Jonathan Richman, pas de Pastels, pas de Jesus & Mary Chain, pas de krautrock, enfin bref, pas grand-chose. Car même ceux qui ne l'ont pas vu subissent l'influence incontournable du Velvet. Alto électrique, texte sado-maso ou junkie, rock modal et répétitif, la blonde glaciale au micro, la petite boulotte à la batterie tribale, les solos à cinq notes dont deux fausses : ils ont inventé tout ce que le rock a de moins prévisible. Pas de blues scolaire, pas de ballades flower-power, pas de poses macho. Sous le patronage bienveillant d'Andy Warhol, concepteur de la pochette, Lou Reed, Sterling Morrison, Nico, John Cale et Moe Tucker ont introduit l'anticonformisme dans le rock. [+]

C'est peu après la sortie de cet album que Jim Morrison s'établissait à Paris avec Pamela, espérant oublier son statut de rock-star et de sex-symbol pour mieux repartir à zéro. On connaît la suite. Dernier disque de Morrison, L. A. Woman sonne symboliquement comme une apothéose. Mais, au-delà, c'est bien d'un disque essentiel du groupe californien et du rock qu'il s'agit. Si l'intro de "Riders On The Storm" justifie à elle seule le qualificatif de chef-d'oeuvre, que dire de "The Changeling", de "Love Her Madly", de "L'America" et, bien sûr, du morceau titre ? Morrison n'a peut-être jamais aussi bien chanté et Krieger, Manzarek et Densmore (accompagnés ici par le bassiste Jerry Scheff et le guitariste Marc Benno) n'ont peut-être jamais aussi bien joué, jamais aussi finement ciselé l'esthétique Doors. Paru en 1971, L. [+]

Premier volet de que l'on appelle la trilogie berlinoise, Low annonce la new (cold?) wave de groupes comme Joy Division. Co-réalisé avec Brian Eno dans la veine des "stratégies obliques" de Taking Tiger Mountain et Here Come The Warm Jets, Low reprend les choses où l'électronique robotique de Kraftwerk les avait laissées. Sur le vinyle original, une face chantée compilait des morceaux ultra- courts ("Speed Of Life", "Sound And Vision") alors que l'autre était presqu'essentiellement instrumentale. On parle alors de musique environnementale et "Warszawa" exprime la désolation. De la pop à l'indus via l'ambient, Bowie s'impose comme un révolutionnaire défricheur de contrées encore vierges. -Philippe Robert.

Probablement le chef-d'oeuvre de David Bowie. Et sans aucun doute un des albums majeurs des seventies. En inventant le personnage de Ziggy Stardust - le premier d'une série, d'ailleurs -, Bowie donne également le jour à un mythe. Ce dédoublement de personnalité à la Dorian Gray va donner à sa carrière une force d'un intérêt unique. Et dès lors les albums qui vont suivre seront autant de mutations. Il a à ses côtés un double musical en la personne du guitariste Mick Ronson, indispensable et toujours surprenant. C'est lui qui va apporter cette manière originale de prolonger la mélodie de la voix par des notes en contre-chant, souvent en larsen. Là-dessus, Bowie tisse ses chansons aux thèmes qui flirtent avec la science-fiction et la philosophie nietzschéenne. Malgré l'ambition du projet, chaque titre tue instantanément, possède une force immédiate. C'est toute une attitude face au rock'n'roll qui se fait jour, reprenant les obsessions et le cynisme de Ray Davies (des Kinks) ou de Lou Reed (du Velvet Underground). [+]

Il est temps de balancer la purée, bande d'enc. : avec ce préambule au mythique morceau "Kick Out The Jams", Rob Tyner, chanteur du MC5 faisait écho aux émeutes violentes de 1968. Le MC5 était un groupe extrêmement radical, managé par un théoricien de la lutte politique et assez culotté pour enregistrer son premier album en public, chez lui, dans sa ville de Detroit, la capitale de l'industrie automobile. Bien avant Rage Against The Machine, le Five (comme le nomment les fans) posait avec ce brûlot les fondations du heavy metal résistant. On retrouve ici des influences violemment revendiquées : celles des plus méchants des groupes anglais comme les Troggs ou les Yardbirds, celle des hurleurs du rhythm'n'blues, James Brown et Wilson Pickett et, plus surprenante, la liberté sans limite des grands du jazz plus ou moins free comme Coltrane ou Sun Ra, dont le MC5 reprend ici "Starship", dans une version ahurissante, orchestrée par les guitares hurlantes de Fred "Sonic" Smith et Wayne Kramer. La carrière du MC5 fut brève, gâchée par les drogues, interrompue par des emprisonnements et suivie de plusieurs décès mais la violence de ce premier disque reste indomptée et indémodable. -Hubert Deshouse "Il est temps de balancer la purée, bande d'enc. [+]

Un des disques les plus apaisants des années soixante-dix, ce qui ne laisse pas de surprendre quand on se souvient des tortures infligées par John Cale à son alto avec le Velvet Underground. Mais, après tout, Cale avait d'abord reçu une formation classique et il avait déjà pu montrer ses qualités délicates d'arrangeur sur Chelsea Girl de Nico. Né au Pays de Galles, il laisse s'épanouir ici sa sensibilité européenne avec l'aide, paradoxale dans ce contexte, de Lowell George le guitariste du groupe country-rock Little Feat. Ce mélange surprenant débouche sur des perles comme "Hanky Panky Nohow", chanté d'une voix émouvante qui, en croisant arpèges folk et cordes discrètes, rappelle "Ballad Of Easy Rider" des Byrds. Plus loin, les cordes jouées en pizzicato du morceau titre évoquent les arrangements sériels du New-Yorkais Steve Reich mais les cuivres sonnent plutôt comme du Elgar. Ajoutez quelques sifflements d'oiseaux et des choeurs à la McCartney sur le refrain et il faut bien se rendre à l'évidence : l'art de John Cale dépasse de très loin celui du rocker moyen ! -Hubert Deshouse.

Fun House, drôle de nom pour un disque pas vraiment drôle ni distrayant. C'est un de ces albums dont l'écoute est une initiation, une révélation dont on ne ressort pas indemne, comme Trout Mask Replica de Captain Beefheart ou le premier Joy Division. Pas grand-chose de connu à quoi se raccrocher, pas de mélodie, pas de gentille ballade pour se reposer. Les jams (dont le foutoir final "LA Blues", cauchemar free-metal) comme les solos vrillent le crâne sans direction apparente. C'est du moins ce que l'on croit au début et puis, peu à peu, on comprend chaque note de guitare de Ron Asheton, chaque hurlement d'Iggy Pop est un pas de plus vers le précipice. C'est le disque parano par excellence : "Elle me fixe avec ses yeux de télé", s'époumone l'Iguane, tandis que les Stooges martèlent les quatre mêmes notes pendant quatre minutes. Coincés dans un studio californien avec l'organiste des Kingsmen à la console, loin de leur Detroit natal, ils ne peuvent compter que sur eux et quelques psychotropes pas vraiment cool. Et ce n'est pas le saxophone ténor de l'invité Steven McKay qui peut détendre l'atmosphère, occupé qu'il est à improviser une sorte de "Hate Supreme". [+]