C'est parce qu'il pourrait être là, aux côtés de ce public, sur les mêmes bancs, que Johnny Cash chante ses chansons avec une telle conviction. Là où d'autres auraient reculé – chanter pour des détenus, et en faire un album (même deux !), n'a rien de très médiatique –, lui fonce bille en tête. Par deux fois donc, Cash, l'homme en noir, aura conduit sa carcasse de rebelle devant les taulards. Et dans cette première expérience de 1968, il entraîne ses hommes – dont un impeccable Carl Perkins à la guitare – face à une tumultueuse assistance dont on redoute à tout instant qu'elle n'explose. At Folsom Prison est comme ça : une marmite en ébullition où Cash multiplie les mots justes, car il fut lui aussi derrière les barreaux en son temps. "Tout ce qu'il vous reste, dans votre cellule, ce sont vos instincts les plus animaux", dira-t-il. Des sentiments qui lui inspireront la chanson-symbole du disque, "Folsom Prison Blues". Ce 13 Janvier 1968, sous les néons crus de la grande cafétéria de la prison, 2000 cœurs vont battre la pulsation d'un voyou qui chante pour eux "L'Herbe verte de la maison" ("Green Green Grass Of Home"). Sous les fusils des matons, on peut presque sentir la tension extrême qui en résulte. Une bombe à retardement. [+]

Cet album fut en son temps encensé par les meilleurs des rock critics: Yves Adrien en France dans les colonnes de Rock & Folk et Patti Smith (si, si, la dame fut d'abord rock critic) aux Etats-Unis dans Creem, excusez du peu! Quant au disque, il est à la hauteur de tous les éloges et des divagations dont il fut le sujet. A Wizard, A True Star a été retenu parmi les disques de l'année 1973 avec l'immense Raw Power des Stooges et Tyranny And Mutation du Blue Oyster Cult. Sûr. Son psychédélisme expérimental en fait aussi l'équivalent des recherches de Brian Wilson, des Beatles sur Revolver et du mur du son spectorien! Ne serait-ce que pour la reprise de "I'm So Proud" de Curtis Mayfield et "International Feel", ce disque est TO-TA-LE-MENT IN-DIS-PEN-SA-BLE!!! - Philippe Robert.

Une chose est sûre, Eric Clapton n'a pas usurpé son surnom de "God" (on l'appelle également "Slowhand"). Sa virtuosité en fait un dieu de la guitare dont la technique en a époustouflé plus d'un, de Muddy Waters aux Rolling Stones. Si le début de sa carrière est jalonné de classiques (en bref, ceux gravés par Cream et Derek & The Dominos), Clapton connaîtra toutefois un long passage à vide dû à des problèmes personnels et à la difficulté à voler de ses propres ailes, hors du cadre d'un super groupe sécurisant. 461 Ocean Boulevard fait office de déclic, suivi par cinq albums réalisés entre 1975 et 1978 qu'il enchaîne avec Just One Night, un enregistrement public où brille également le guitariste Albert Lee. On connaissait déjà la version studio de "Cocaine" de J. J. Cale. Sa version live est tout simplement somptueuse. La dextérité du maître de cérémonie accomplit des prouesses et son talent de chanteur (dont il a toujours douté) n'est pas en reste. - -Hervé Comte.

Leur premier single, "Novocaine For The Soul" avait converti la planète au culte des Eels, trois petits génies aussi inclassables que talentueux. Quatre ans après ce premier coup d'éclat, en 2000, sort "Daisies Of The Galaxy", qui confirme toutes les promesses des deux albums précédents. S'il ne reste de la formation d'origine que Mark Oliver Everett, alias E, chanteur et parolier futé, et le batteur Butch, l'inspiration demeure. "I Like Birds" est une comptine farfelue et savoureuse, "Flyswatter" plonge l'auditeur dans un climat irréel grâce à sa mélodie de boîte à musique aigrelette et ses choeurs hantés, "Daisy Through Concrete" flirte avec le jazz acrobate de Gershwin. En résumé, les ambiances se suivent sans jamais se ressembler  ; chaque chanson tire le portrait, avec humour, d'une Amérique pittoresque et le son mal léché préserve les Eels de trop de virtuosité. On pourra donc classer "Daisies Of The Galaxy" à côté de sa collection d'albums de Beck, dans la catégorie bricoleurs géniaux. - Isabelle Chelley.

Le groupe d'Athens, Géorgie, avait déjà fait l'objet de plusieurs compilations, mais toutes se bornaient à retracer leurs débuts confidentiels (mais particulièrement substantiels), avant leur signature sur la major Warner et la parution de l'opus Green en 1988. Avec In Time: The Best of R. E. M. 1988-2003, c'est la période de la consécration planétaire qui est couverte, celle des coups de génie, des titres fédérateurs, des ballades mémorables mais aussi des hésitations, des prises de risques ou au contraire de l'institutionnalisation du son R. E. M. On peut, ici ou là, discuter du choix des titres : l'enjoué "Shiny Happy People" et le monumental "Drive" n'ont pas été retenus, le mal-aimé Monster, album aux influx plus rock, est sous représenté… Mais dans l'ensemble, In Time atteint son but, celui d'offrir une brochette de tubes imparables, saupoudrée de deux "raretés" (The Great Beyond, All The Right Friends) et accommodée de deux nouveautés (Bad Day et Animal) qui ne déméritent pas face à leurs illustres prédécesseurs. À noter : une édition limitée se dote d'un deuxième CD avec, au programme, faces-B, titres live, versions acoustiques ou morceaux tirés de bandes originales de films. [+]

Ce premier opus fait partie des albums décisifs de la musique rock british des 70's. Au même titre que le premier Dr Feelgood – qui annonçait le pub rock –, ou le premier Damned – qui préfigurait le punk rock au pays d'Albion –, ce disque donna le coup d'envoi de la vague de revival ska qui s'ensuivit. Il contenait à la fois la hargne, l'humour, et le sens mélodique d'un groupe pluriel – noir et blanc aussi, comme les damiers qui en étaient la marque esthétique-. Cette hargne issue du punk naissant dans les clubs britanniques, on la trouve dans des plages comme "Concrete Jungle" ou le mordant "(Dawning of A) New Era", avec des textes aussi peu consensuels que la musique, nerveuse et électrique. Leur humour tient dans leur présentation, costume strict et le fameux pork pie hat, le couvre-chef identitaire, ainsi que dans les messages des chansons comme "Monkey Man" ou "Do The Dog". Un humour noir, bien sûr, et blanc, forcément. Quant au sens mélodique des garçons de Coventry, le succès de titres comme l'instantané "Gangsters" ou le subtil "A Message To You Rudy" prouve qu'ils furent largement compris et entendus. Produit par Elvis Costello, cet album déborde d'une énergie live que le producteur réussit à faire entrer dans un album studio. -José Ruiz.

Après deux albums et quelques enfants illégitimes nés du départ des guitariste et bassiste ("Moondog Jr", "Zita Swoon", "Kiss My Jazz". ), Deus se recentre autour de son très charismatique leader Tom Barman, songwriter passionné et maître d'oeuvre des solides armatures pop rock du groupe. Une concentration qui passe aussi par la musique : avec The Ideal Crash, Deus s'organise, devient capable de dompter le fouillis le plus total, de trouver de l'ordre dans le chaos, une discipline dans ses guitares folles. Et finit par aboutir à l'équilibre, à un état où personne, de la mélodie, des arrangements ou des instruments n'aurait le dessus, sans jamais pour autant perdre en inventivité - le magnifique "Instant Street" et sa conclusion infernale comme preuve. Symbiose musicale, The Ideal Crash impose définitivement Deus comme leader d'une scène rock belge à la créativité en pleine effervescence. - -Anne-Claire Norot.

Violator est l'album de Depeche Mode le plus calibré grand public, conçu pour grimper dans les charts. Même s'il ne contient que neuf titres, la moitié est parfaitement formatée pour le dancefloor. Ce disque a été conçu au moment où les DJ de boîtes de nuit commençaient à être reconnus comme de véritables compositeurs originaux. Très influencés par la techno-pop, les singles "Policy Of Truth", "Enjoy The Silence" et "World In My Eyes" illustrent le travail méticuleux de DM. Un des sommets de ce superbe album est atteint par la guitare bluesy de Martin Gore sur le groove synthétique de "Personal Jesus". -Beth Bessmer.