Si le parcours de Manu Chao n'avait été jalonné d'oeuvres décisives, on serait tenté de prêter à cet album des vertus fondatrices. Patchanka, premier disque de La Mano Negra, organisation de bruit et de fureur scénique menée par Mano Chao fut cependant bel et bien l'acte de naissance d'une musique, d'un style de vie, d'un courant dit alternatif. Après l'avènement de cet album et des concerts apocalyptiques qui s'ensuivirent, non, rien ne fut plus pareil. Véritable manifeste d'un nouveau mode, on y décèle les ferments de l'inspiration de celui qui est encore Manuel en cette année 1988. Mais sa manière - par exemple - de traiter le classique de rockabilly "Rock Island Line" comme une rencontre entre le groupe Free et Public Enemy en dit long sur ses intentions. Il y a aussi ces vibrations latino-punk, comme "Noche De Acción", ou "Indios de Barcelona" (la ville devint son QG par la suite) et ces torrides compositions en espagnol, telle "Mala Vida", un des plus beaux titres de Manu et de la Mano. La Patchanka, selon la Mano, était la forme de fête échevelée que le groupe inventait à chaque nouveau concert. Cet album montre combien les braises sont encore rouges. -José Ruiz.

6 ans après Juste avant et 4 ans après la parenthèse enchantée Entre deux, Patrick Bruel revient à la création originale et signe la quasi intégralité des textes et compositions d'un nouvel album d'une grande intensité émotionnelle. Entre tradition de chanson française et pop anglaise, l'artiste réussit avec justesse à faire cohabiter intimité et dimension sociale. L'honnêteté dans le propos, la sincérité dans l'interprétation, sans faute de goût ni faux semblants, Patrick dévoile un quotidien jamais voyeur puisque c'est aussi le nôtre. Il aborde chaque chanson comme autant de tranches de vie. De l'intime de sa vie aux désordres du monde, entre espoir et inquiétude, le père qu'il est devenu, l'amoureux, le fils, le citoyen se dévoilent en musique.

Amateurs de bonnes vibrations et d'ambiances languides, le sixième volume de cette série est pour vous ! Sélectionné avec justesse et sensibilité par le DJ résident du Cafe Del Mar (Ibiza), José Padilla, cette compilation offre son lot annuel de perles rares et de petites pierres précieuses. Du hip-hop aux relents mystiques de Talvin Singh (remixé par Kid Loco) au funk doucement chaloupé de New Funky Generation ; de la soul ensoleillée de Rae & Christian aux grooves sautillants du maître des lieux (José Padilla) ; des envolées de guitare limpides de Dzihan & Kamien à l'élégante conclusion de Dusty Springfield (The Look Of Love), cette ode à l'astre solaire reflète à merveille l'esprit des Baléares. -Laurent Gilot.

Yann Tiersen est un compositeur qui aime se faire désirer. Après ce long silence cinématographique qui suivit le succès titanesque du Fabuleux Destin d'Amélie Poulain, sa douce et poétique musique où les rêves deviennent réalité, le compositeur au style cristallin revient sur une production allemande. Passé la surprise du projet, le film de Wolgang Becker nous replonge directement dans l'univers si touchant et subtil de cet intuitif inclassable qui cultive un art du mystère et de l'évanescence assez fascinant. La mélodie douce-amère au piano qui ouvre l'album ne laisse planer aucun doute sur la nature du langage, de même que l'émergence d'un orchestre lunaire, finement dirigé par Guillaume Bourgone, respire la musique de Yann Tiersen d'un bout à l'autre de la partition. Preuve d'un talent rare et précieux qui se nourrit volontiers aux sources d'un Michael Nyman, avec un peu plus d'envergure encore dans la fragilité fugitive, ou même d'un Erik Satie qu'il évoque volontiers dans le morceau titre, Goodbye Lenin est imprégné dans tous les recoins de son tissage instrumental d'une identité musicale forte qui ne ressemble à aucune autre. Rares sont les compositeurs qui sont aujourd'hui capables de susciter autant d'émotions et de sensations avec si peu d'effets, si peu de volubilité dans l'expression, la musique prenant son temps pour mieux s'épanouir au rythme de ses respirations. Une approche contemplative et libérée de la précipitation du monde moderne somme toute appréciable, une peinture des émotions simples et naturelles qui s'illuminent au milieu de la grisaille et de l'uniformisation. La finesse des mélodies, l'originalité envoûtante de l'instrumentation et la fluidité de l'écriture se chargent de nous transporter sans délai vers une dimension où la pesanteur du quotidien n'a pas de prise, où les contraintes d'une société en mal de vivre s'évanouissent pour revenir à l'essentiel de l'âme humaine. Sans prétention ni démonstration, ce qui rend le geste artistique encore plus beau, encore plus éloquent. Peu de compositeurs sont capables de nous faire rêver, sourire et pleurer avec une telle profondeur dans la simplicité. [+]

Trop longtemps sans nouvelles depuis ce disque consacré à Georges Brassens et publié en 1996. Renaud avait fui le monde, les studios, la célébrité. Déprime, séparation, mais aussi l'alcool ont jalonné ce chemin de croix qu'il assume à travers cet album très attendu donc. Le chanteur rompt enfin le silence en faisant un Boucan d'enfer. Profil bas, toujours aussi attachant, le gavroche des faubourgs n'en reste pas moins pamphlétaire et règle ses comptes à grand coup de rimes assassines ("Je vis caché", "Manhattan-Kaboul" avec Axelle Red) ou blessées ("Cœur perdu", "Tout arrêter"…) et d'autoportrait vitriolé ("Docteur Renaud, Mister Renard"). Entièrement entre les mains de Jean-Pierre Bucolo (arrangements, réalisation et compositions), ces chansons révèlent un Renaud à vif qui n'a jamais été aussi mal barré, même si dans celle-là ("Mal barrés"), il prétend parler de quelqu'un d'autre. Pourtant, il conserve une verve malicieuse et décapante ("Elle a vu le loup", "L'Entarté", "Mon nain de jardin"). Et si cet album était celui de la renaissance ? -Valérie Dupouy.

En 1986, la pop française est largement dominée par la scène rennaise, dont les représentants ont pour nom Niagara, Elli Medeiros ou Etienne Daho. Secondé par Arnold Turboust, créateur de mélodies synthétiques et séduisantes, accompagné par Torch Song (groupe de William Orbit !), Daho sort Pop Satori, qui ne quittera pas de sitôt les playlists des radio FM. Et franchement, question charme, fraîcheur et légèreté, on n'a pas fait mieux depuis. Les paroles tout en assonances et non-sens d'"Epaule tatoo", les claviers et l'harmonica de "Tombé pour la France" ou les arrangements multicouches et la composition élaborée de "Duel au soleil" ont assuré au chanteur une place de choix au panthéon de la pop sophistiquée. Impeccable dans son rôle de jeune homme moderne discrètement branché, Etienne Daho pousse même jusqu'à parodier son style sur "Satori Pop Century", chanson clin d'oeil aux paroles sans queue ni tête. La classe et la grâce. -Isabelle Chelley.

Après un premier album remarqué, l'excellent La Vie presque paru en 2001, Luke revient avec La Tête en arrière. Ceux qui accompagnent Thomas Bouland ne sont certes plus les mêmes qu'au début, mais il reste quelque chose des ambiances à la Miossec qui participèrent au succès inattendu du précédent. Mais plus encore que le Breton, cette fois, c'est Noir Désir que cet opus évoque, ne serait-ce qu'à cause de l'engagement des paroles portées par des guitares supersoniques vrillées et au diapason de l'attitude. Évidemment, comme chez beaucoup de Français (Vincent Delerm, etc. ), c'est le "chanté-parlé" qui prime ici. -Hervé Comte.